Saqueando a Cidade

Cabezas de Cera - Cabezas de Cera (1997)

2011-11-03T19:05:00.006-02:00

Fuçando em minha estante de vinis, percebi que se passou um tempo absurdo desde minha última postagem nesse saudoso blog. Me bateu uma vontade de voltar ao passado... Sabem como é, não é? Pois bem, cá estou!
E existe forma melhor de retomar esta onda de saudosismo do que desenterrar uma das mais ilustres sonzeiras de nossos irmãos Mexicanos? Creio que não. Até porque está aí um disco que vale cada segundo nele gravado. Trata-se do debut do Cabezas de Cera, principal nome da cena neo-progressiva/fusion da terra dos burritos.
Formado no ano de 1995, em plena Ciudad del Mexico, o grupo (composto pelos irmãos Mauricio e Francisco Soleto, guitarrista/baixista e baterista, respectivamente; pelo flautista Ramsés Luna e pelo especialista em efeitos sonoros Edgar Arrelín) se destaca pela ecleticidade: ao mesmo tempo em que sua sonoridade remete ao prog nu e cru, é notável a influência do jazz e de experimentalismos eletrônicos. Não é difícil perceber o uso de overdrives, efeitos em sintetizadores, cordas arqueadas, trechos de spoken word, solos de saxofone à lá New Orleans... É uma mistura riquíssima, interessantíssima e por demais saborosa, que não é RIO, Zeuhl, Post-Rock... É Cabezas de Cera.
O primeiro disco do grupo, lançado em 1997, é a síntese do que foi acima descrito. A primeira canção do álbum, Veintiuno, é de uma transcendentalidade perturbada, mas ainda assim possui um quê de beleza clássica. Em oposição a isso, temos a caótica manifestação post-rock Gocxilla, que chega a ser um tanto perturbadora de tão barulhenta.
Em seguida, uma das mais belas peças que o rock progressivo já foi capaz de criar: Encantador de Serpientes. É, na humilde opinião do blogueiro, a melhor do grupo. A flauta (ok, vocês me pegaram. Como flautista, sou suspeitíssimo para falar) aqui produz uma sequência melódica digna de deixar tanto Mozart quanto Thijs Van Leer de queixo caído. E, não bastasse tamanha beleza no som eólico do maravilhoso instrumento, logo chega um saxofone e dá um ar ainda mais quente a tão estonteante canção. Não poderia haver, por conseguinte, melhor faixa para seguí-la do que Un Pueblo Escondido, verdadeiro bate-papo entre violinos, violoncelos, flautas e marimbas; uma verdadeira manifestação de serenidade.
Dentre as outras faixas do disco - que mantém o mesmo padrão de qualidade sonora, diga-se de passagem -, destacam-se Pretexto a Un Texto Fragmentado, um quase-manifesto-caótico-musicado apoiado por pesados riffs de guitarra e Gitana, uma composição aciganada que dispensa apresentações.
Enfim, trata-se de um disco chave para a absorção da produção progressiva/experimental contemporânea, além, é claro, de uma excelente aquisição na coleção de sonzeiras de qualquer um que aprecie qualidade musical. Que não for capaz de gostar disso que atire a primeira pedra!

Faixas:

1. Veintituno
2. Goxcilla
3. Encantador de Serpientes
4. Un Pueblo Escondido
5. Caravana
6. Pretexto a Un Texto Fragmentado
7. Gitana
8. Frontera
9. Al Aire

Link nos comentários, minha gente!

A Bolha - Um Passo a Frente (1973)

2011-10-03T12:42:00.006-03:00

Fundada no Rio de Janeiro, a Bolha, conhecido como "The Bubbles" na época, teve um inicio conturbado devido a troca constante de integrantes, assim dificultando a criação de uma identidade da banda. Os seus primeiros passos foram seguidos de um instrutor, pois não havia gravações próprias neste período, apenas reproduções de hits famosos, como "Honey Pie" e "Ob-La-Di, Ob-La-Da" dos Beatles. A participação no cenário musical continuava discreta com gravações de trilhas para filmes além de registros de compactos sem repercussão.

Salvos por Jards Macalé que convidou a banda para tocar com Gal Costa em uma turnê em Portugal, A Bolha ficou marcada pela influência musical de diversos ícones em sua estadia na Europa. O contato com bandas consagradas, como The Doors, The Who, Jimmy Hendrix tornaram a banda mais fervorosa, tornando-a mais agressiva. Além deste estímulo, conheceram Caetano Veloso e Gilberto Gil exilados em Londres, ampliando assim o repertório musical. No retorno ao Brasil, a banda estava cintilante e prontos para criação do primeiro disco. As primeiras gravações foram as faixas "sem nada/18.30 (Parte I) e "Os Hemadecons Cantavam em Coro Chôôôôôôô (ambas bônus deste disco, exclusivas deste link).

Neste tempo eles foram convidados para participar do album de Leno, "A vida e Obra de Johnny McCarteney", produzido por Raul Seixas. A reputação da banda se elevava e assim eles produziram a obra que levou a nome de "Um passo a frente". Eles também decidiram trocar o nome da banda, abrasileirando o "The Bubbles". O disco é marcado pelo toque progressivo, que vivia seu auge no inicio dos 70, com faixas absurdamente lindas. Apesar disto, há um preenchimento de outros viés musicais, como a faixa "Razão De Existir" com uma pitada mais suave de rock n' roll.

A formação clássica e a emblemática improvisação nas musicas provam que a banda se preocupava com a estética do padrão progressivo, mas criava seu perfil de acordo com as experiências adquiridas ao longo da sua história. O rock brasileiro não se destacou na decada de 70, comparado com anos posteriores que contaram com a ajuda da mídia para ser divulgado, além de eventos organizados para sua propagação, mas isso não significa que a música era inferior, de pior qualidade. Estas bandas foram fundamentais para o rock se consolidar neste país e com isso formar a nossa rica cultura que mistura elementos de todos os cantos.

Bom, aqui vão as faixas do disco seguido do link para baixar (nos comentários, segunda as regras):

1. Um Passo A Frente

2. Razão de Existir

3. Bye My Friend

4. Epitáfio (Epitaph)

5. Tempos Constantes

6. A Esfera

7. Neste Rock Forever

8. 18.30 - Parte I (Bonus)

9. Os Hemadecons Cantavam Em Coro (Bonus)

Boa viagem!

John Mayall - Bluesbreakers With Eric Clapton (1966)

2011-09-01T14:00:00.006-03:00

Estou morrendo de saudades de escrever. Sinto que piorei, sei disso em função dos textos que tenho feito e não tenho gostado de ler. Textos para a faculdade, textos para mim. Mas chega dessa baboseira.
Todo mundo que se preze sabe que um dia Eric Clapton foi chamado de God. "Clapton is God" dizem as paredes por toda Inglaterra. De fato, Eric Clapton foi o maior guitarrista da terra da rainha na década de 60, sem dar a menor chance para Jeff Beck ou Jimmy Page, ainda longe de tornarem-se as lendas que são hoje em dia.
Após o rompimento com o Graham Bond ORGANization, por questões pessoais, como sempre, Eric Clapton se uniu a John Mayall and The Bluesbreakers. John Mayall foi convencido por Alex Korner a seguir essa vida de músico em meados da década de 50, lá por 57/58, mais ou menos. A banda funcionava bem, mas em 1956 o guitarrista Roger Dean foi substituído por Eric Clapton e eles gravaram um dos maiores CD's do mundo.
Esse disco, com John Mayall nos vocais, teclas e gaita, Eric Clapton na guitarra, John McVie no baixo e Hughie Flint na bateria, é uma pérola de música inglesa sessentista. É um grupo que importou logo cedo as influências americanas (assim como o já citado Alex Korner) e transformou elas criando uma sonoridade buscada por muitas bandas na época e mesmo hoje.
Por sinal, em algumas músicas não lançadas marcou presença Jack Bruce no baixo.

Faixas:

"All Your Love" 3:36
"Hideaway" 3:17
"Little Girl" 2:37
"Another Man" 1:45
"Double Crossing Time" 3:04
"What'd I Say (Day Tripper)" 4:29
"Key To Love" 2:09
"Parchman Farm" 2:24
"Have You Heard" 5:56
"Ramblin' on My Mind" 3:10
"Steppin' Out" 2:30
"It Ain't Right" 2:42
"Lonely Years" 3:21
"Bernard Jenkins" 3:48

Link nos Comentários

Di Melo - Di Melo (1975)

2011-05-24T23:13:00.004-03:00

"Ai ai meu Deus do céu como eu sofri ao ver a natureza morta"

Tenho o prazer de voltar, por mais breve que seja, a esse blog com um texto de um disco de um conterrâneo meu, Roberto de Melo Santos, Di Melo, o Imorrível.

Eu tenho que ser honesto com vocês, eu tenho um orgulho digno de ser pernambucano e recifense por causa dessa efeverscência cultural da cidade. Toda época tem um baita conterrâneo meu fazendo barulho por aí, Ariano Suassuna, Manuel Bandeira, Luiz Gonzaga, Chico Science, Alceu Valença, Geraldo Azevedo e eu vou parar por aqui para não dizerem que eu falei muita inutilidade.

Enfim, Di Melo traz uma sonoridade diferenciadíssima, misturando o soul e funk ao baião, ao samba e até ao tango ele deu ao Brasil um disco sem igual.

"Kilariô" é um exemplo pulsante desse ritmo novo, ritmo pegado e excitante, com letras e canto que, com certeza, foram inspiração para Chico Science, "Conformópolis" é o tango do qual eu falei, com direito a acordeon e tudo o mais.

Bixo, pra você ter uma noção, a "banda de apoio" dele nesse disco, entre aspas porque é uma bandaça, algo meio Janis e Big Brother, é composta por vários caras, mas eu vou falar só dois, tá? Um deles é um tal de Hermeto Pascoal, flauta e teclados, o outro sujeito é o Dirceu, que tocava com o Gilberto Gil. Tem um terceiro, que é o acordeonista (tá certo isso?!) que por vezes acompanhou o Astor Piazzolla, mas eu não acho o nome do sujeito em canto nenhum, se alguém possuir a informação manifeste-se.

Enfim, terminando, por finalizar e já nos finalmentes, tem um site aí dele (clique aqui), aparentemente ele voltou à mídia recentemente não custa nada visitar

Faixas:

"Kilariô" 2:49
"A Vida em Seus Métodos Diz Calma" 3:43
"Aceito Tudo" 2:58
"Conformópolis" 2:44
"Má-lida" 3:31
"Sementes" 1:35
"Pernalonga" 2:45
"Minha Estrela" 2:31
"Se o Mundo Acabasse em Mel" 3:08
"Alma Grega" 3:59
"João" 2:28
"Indecisão"

P.S.: já tava com saudades, aguardo comentários, mudou muito a escrita aí? tá tudo nos trinques? valeu, moçada.

Como já ditou a tradição do Saqueando, o link está nos Comments!

Jorge Ben Jor - Samba Esquema Novo (1963)

2011-02-20T22:06:00.005-03:00

Talvez uma das estréias mais brilhantes da música popular brasileira, melhor talvez até que a dos Mutantes.

Veja bem, nasceu no Rio de Janeiro, jogou nas categorias de base do grande C.R. Flamengo (não sou flamenguista, antes que saiam me acusando por aí) mas acabou seguindo carreira na música. Tocava pandeiro desde os 13 anos de idade, ainda jovem integrou coral de igreja e aos 18 ganhou seu primeiro violão.

Jorge Ben talvez seja o mais brasileiro dos músicos modernos. Lá pelo começo da década de 60 tava todo mundo se dividindo entre Jovem Guarda e Bossa Nova, porém, me diga, meu caro, onde você colocaria Jorge Ben nessa divisão? Pois é, ninguém sabia tampouco naquela época, ainda não tinha aparecido a Tropicália e só se queria saber da Bossa Nova bem clássica, ou da Jovem Guarda, bem "Rock and Roll". Ainda no começo da década de 60 ele é visto tocando no beco das garrafas e é logo levado para gravar seu primeiro cd.

Esse primeiro cd é esse aqui: Samba Esquema Novo (1963) e que disco, meu caro. O primeiro músico brasileiro a juntar sonoridade gringa com o samba, brilhante. Samba com Funk e Rock and Roll são fundidos pela primeira vez gerando algo jamais esquecido e um dos melhores discos da música brasileira.

Jorge Ben toca acompanhado pelo grupo de Samba Jazz Meirelles e os Copa Cinco, ou seja, Manuel Gusmão no baixo, Luiz Carlos Vinhas no piano, J.T. Meirelles na flauta e no saxofone, Pedro Paulo no trompete e o já brilhante Dom Um Romão na bateria. Meus caros, é sensacional.

Sambalance!

Faixas:

"Mas Que Nada!" 3:02
"Tim Dom Dom" 2:22
"Balança Pema" 1:30
"Vem Morena, Vem" 1:59
"Chove, Chuva" 3:06
"É Só Sambar" 3:06
"Rosa, Menina Rosa" 2:16
"Quero Esquecer Você" 2:16
"Uala Uala" 2:09
"A Tamba" 3:04
"Menina Bonita Não Chora" 2:08
"Por Causa de Você, Menina" 2:07

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Gilberto Gil - Expresso 2222 (1972)

2011-02-14T21:50:00.003-02:00

Se oriente, rapaz, pela constelação do Cruzeiro do Sul.

Salve salve, pós 3 semanas de viagens e coisas de faculdade estou de volta. O blog está ficando meio perdido, mas eu vou me esforçar para continuar postando aqui, porém agora, com menos tempo de postar, eu pretendo aprofundar o blog em alguns artistas, hoje eu trago de novo o Gil.

Gilberto Gil, vocês conhecem e tal, pra quem não tem a mesma intimidade, tem um post com informações sobre ele.

Depois de voltar da gringa, lá de Londres, onde "vez em quando se sentia longe daqui" Gilberto Gil grava um novo CD, misturando muito do que ouviu lá fora, dessa vez, como baião, como o forró e trazendo inclusive uma música da Banda de Pífanos de Caruaru, "Pipoca Moderna", fazendo (outra vez) uma mistura inexplicável. Atenção ainda para a participação de Gal Costa em "Sai do Sereno"

Um disco menos complexo que o Gilberto Gil 1968, por exemplo, porém bastante trabalhado e refinado se comparado ao Gilberto Gil 1971, parece que no Expresso 2222 o Gil encontrou a mistura ideal da MPB com as sonoridades Anglo-americanas.

Belíssimo disco do Gil, pra quem curte música boa é um outro disco indispensável.

Aliás, três músicas eu desconheço a exata procedência delas, e não estão disponíveis aqui. São elas: "Cada Macaco no Seu Galho", "Vamos Passear no Astral" e "Está na Cara, Está na Cura".

Faixas:

"Pipoca Moderna" (Caetano Veloso / Sebastião Biano) 1:59
"Back In Bahia" (Gilberto Gil) 4:48
"O Canto da Ema" (João do Vale / Aires Viana / Alventino Cavalcantti) 6:24
"Chiclete com Banana" (Almira Castilho / Gordurinha) 3:25
"Ele e Eu" (Gilberto Gil) 2:20
"Sai do Sereno" (Onildo Almeida) 3:22
"Expresso 2222" (Gilberto Gil) 2:38
"O Sonho Acabou" (Gilberto Gil) 3:32
"Oriente" (Gilberto Gil) 6:02

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The Graham Bond Organisation - The Sound of '65

2011-01-24T12:59:00.004-02:00

Graham Bond era um músico inglês, nascido em 1937 veio a morrer em 1974. Ficou conhecido por ser um exímio saxofonista, tocou como conjunto pela primeira vez no Don Rendell Quintet.

Posteriormente viria a entrar na onda do R&B que começou a invadir a inglaterra, principalmente ali no começo da década de 60, com Ray Charles, Otis Redding, Booker T. & The MG's e é claro o blues de Willie Dixon, Mudy Waters entre outros. Com essa nova onda na cabeça, ele fez parte brevemente no Alexis Korner Blues Incorporated (tá aqui no Saqueando, por sinal) logo antes de montar o The Graham Bond Quartet.

Os integrantes da banda eram ele, tocando órgão e cantando, com John McLaughlin (que tocou já com Miles Davies, Paco de Lucia, Al di Meola entre outros) na guitarra que viria a ser substituído posteriormente por Dick Heckstall Smith que tocaria saxofone, não só na Graham Bond como em todos os grupos dessa nova onda inglesa como o John Mayall, Coloseum e o Blues Incorporated.

Bom, eu não esqueci de comentar a cozinha, simplesmente a deixei pra depois, pois o melhor sempre se deixa pra depois. O Graham Bond Organization (novo nome do Quartet após a troca de guitarrista por saxofonista) teve nas baquetas o brilhante Ginger Baker e no baixo o sinistro Jack Bruce, sim, os dois do Cream. Inclusive, para os que não lembram, no disco do Cream aqui postado eu cito a formação do Cream ser decorrente do desmanche deste grupo aqui postado.

Bom, tendo isso tudo em mente, fica a dica aí, um R&B bem gostoso de ouvir, muito bem trabalhado sempre, com um quê de sonoridade inglês e muito do divertimento e do swing do R&B americano.

Fica a dica aí da Graham Bond ORGANization

Faixas:

"Hoochie Coochie Man" 3:14
"Baby Make Love to Me" 1:53
"Neighbour Neighbour" 2:40
"Early in The Morning" 1:51
"Spanish Blues" 3:05
"Oh Baby" 2:43
"Little Girl" 2:16
"I Want You" 1:46
"Wade In The Water" 2:43
"Got My Mojo Working" 3:41
"Train Time" 2:24
Baby Be Good To Me" 2:36
"Half A Man" 2:06
"Tammy" 2:50

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Tim Buckley - Greetings From L.A. (1972)

2011-01-17T23:32:00.003-02:00

Saudações de São Paulo.

O Sr. Buckley já se encontra no Saqueando a Cidade, com o disco Goodbye and Hello, mas eu julgo a reapresentação necessária.

Bom, esse novo post é de um cara um tanto desconhecido. Tim Buckley, nasceu em Washington D.C. e cresceu em Amsterdam (em Nova Iorque). Começou a se envolver com música quando sua avó o apresentou à Billie Holiday e Bessie Smith, sua mãe lhe mostrou Frank Sinatra, Miles Davies e Judy Garland e seu pai lhe apresentou Johnny Cash e Hank Willians.

Lançou o seu primeiro cd em 1966. Um belo CD de folk, logo apreciado pela crítica, pelo vocal excepcional de Tim Buckley com melodias bem trabalhadas e harmoniosas.

Bom, vejamos, aí ele entrou numa fase meio Free Jazz assim, misturando umas pitadas do Frank Zappa, esquecendo Hank Willians e todo o Country e Folk de seuas origens, puxando um pouquinho de Grateful Dead de cá e somando tudo à atonalidade da música vanguardista, ufa. Lançou três CDs nessa fase mas, o resultado foi uma recepção bastante desapontadora (para eufemisar o fracasso) dos seus fãs que estranharam a brusca troca de estilo musical e fuga do Folk.

Enfim, eis que Tim Buckley encontra uma terceira fase, seu Sex Funk tampouco foi aclamado por crítica e também foi um grande fracasso de vendas, mas, porque eu não consigo entender.

Veja bem, o primeiro CD dessa fase de Funk é esse aqui. O Greetings From L.A. é outro fracasso de vendas, conseguiu ter sucesso apenas em cidades onde tocava uma rádio específica. Nessas mesmas cidades as vendas do disco foram bastante altas, em lojas de disco meio independentes assim. Mas, independente não agrada gravadora e logo o disco foi abandonado pela gravadora Warner Brothers.

Veja bem. Isso é uma pérola. No meu gosto, é brilhante, uma banda boa pra burro e um vocalista excepcional.

Tim Buckley, Greetings From L.A. Sex Funk

Aproveite

Faixas:

"Move With Me" 4:53
"Get on Top" 6:33
"Sweet Surrender" 6:48
"Nighthawkin'" 3:22
"Devil Eyes" 6:51
"Hong Kong Bar" 7:08
"Make it Right" 4:07

Link nos Cmoemtns

Big Brother & The Holding Co. Feat. Janis Joplin - Cheap Thrills (1968)

2011-01-13T02:55:00.006-02:00

Que saudades eu estava do blog.

Perdoai-me aquele que o julga o correto. Há muito que não escrevia aqui no blog e, se a minha primeira postagem foi desse grupo, volto postando com os mesmos.

Não preciso apresentar ela a ninguém, a Janis foi uma cantora excepcional, extrapolou qualquer limite antes pensado para uma cantora. Inspirada em cantoras como Big Mama Thornton (já presente aqui no Saqueando) e Billie Holliday, cheio da indisciplina psicodélica e sessentista de São Francisco, hoje inspira cantoras como Amy Winehouse e Joss Stone.

Vale também explicar o título do post, por que raios esse nome enorme? Simplesmente porque assim a banda se denominava, destacando bem que eram o Big Brother & The Holding Co. (que veio a seguir carreira separadamente da cantora, após a separação) com Janis Joplin. Preciso ainda expressar minha indignação com quem ousa chamar a Big Brother de banda de apoio. Me perdoem, mas banda de apoio nenhuma faz o som que eles faziam.

O cd, gravado em 1968, ao vivo no Bill Graham's Fillmore Auditorium é tido como o melhor da carreira da banda e da cantora, traz clássicos como "Piece of My Heart", "Ball and Chain" (cover da já citada Big Mama Thornton) e a belíssima e praticamente mítica "Summertime" de George Gershwin e DuBose Heyward, cantada, é claro, por Janis Joplin e com os arranjos maestrais de Sahm Houston Andrew III.

Última curiosidade, a capa do disco é do cartunista americanon Robert Crumb. Ei-la em alta resolução para vocês fuçarem-na.

Faixas:

"Combination of The Two" (S. Andrews) 5:47
"I Need A Man To Love" (J. Joplin, S. Andrews) 4:53
"Summertime" (G. Gershwin, D. Heyward) 3:58
"Piece of My Heart" (J. Ragavoy, B. Berns) 4:13
"Turtle Blues" (J. Joplin) 4:21
"Oh Sweet Mary" (J. Joplin, P. Albin, S. Andrew, D. Getz, J. Gurley) 4:14
"Ball and Chain" (W. M. Thornton) 9:28

Link nos Comments,

Beefeaters - Beefeaters (1967)

2010-11-25T22:13:00.005-02:00

Dinamarca, 1967.

Qual a chance de aparecer uma banda antenada com o que acontece fora de seu país, que está teoricamente longe da efervescência da época, mandar bem e ser precursora em certos aspectos musicais? Tá, se tomarmos como exemplo o álbum que temos aqui a chance é até que grande, e ainda sai bom pra caralho.

O protótipo dos Beefeaters foi formado em Copenhagen no comecinho de 1964, mas a formação final se fez com a entrada do guitarra e vocal Peter Thorup, em 1966: época do freakbeat(garage europeu), do garage e da psicodelia (sim senhor, o ano do Psychedelic Sounds, do 13th, entre tantos outros). Em 1967, os Beefeaters tocaram como banda de apoio pra Pink Floyd e Jimi Hendrix nas suas turnês pelos países nórdicos, o que mostra o calibre dos dinamarqueses.

Em relação a essa sonzeira, é uma levada meio garage, mas bem inovadora em alguns aspectos: várias músicas tem uma levada meio soul/funk, com um orgão/piano tocado pelo ser chamado Morten Kjærumgård (SUPREMO), que complementa perfeitamente a voz fudida de Thorup, também um guitarrista de mão cheia. Amostras dessa união são "I Want You", além de em "Papa's Got A Brand New Bag", sem contar o resto do álbum.

Também tem uma levada psicodélica bem da época, em "Night's Flight" ee "Let Me Down Easy", que me parece um Doors soulzado, fortíssimo. Há a presença também de blues, como dá pra ver em "My Babe" e "Summer Scene", sem deixar o beat dos anos 60 de lado, claro: "It Ain't Necessarily So" e "Crossroads" marcam seu território. E o baixista e o baterista ( respectivamente Fleming "Kieth" Volkersen e Erling "Mozart" Madsen) seguram bem a cozinha, mantendo o som forte e bem organizado.

Concluindo, é um excelente álbum dessa banda nórdica que conseguiu mesclar elementos bem variados, criando uma música muito boa, muito concisa e madura pra época e local em que foi feita, e mesmo hoje em dia se sobressai. Com certeza merece mais atenção do que foi dada até hoje.

Ouçam agora, que vale - e muito - a pena!

Faixas:
01 - It Ain't Necessarily So
02 - Crossroads
03 - My Babe
04 - I Want You
05 - Hey Little Girl
06 - Papa's Got a Brand New Bag
07 - Let Me Down Easy
08 - Shakin' Fingerpop
09 - Night Flight
10 - Summer Scene

e está lá, como sempre.

Pharoah Sanders - Africa (1985)

2010-11-18T12:46:00.003-02:00

Em quase a totalidade do século XX, havia vários saxofonistas que rondavam os Estados Unidos de costa a costa fazendo um som e ganhando a vida. Sanders era apenas mais um desses. Tocou em diversas bandas já jovem e viajado, e fez parte de uma das enormes bandas de Sun Ra, que lhe cunhou o título/apelido de Pharoah. Como já sabemos, Sun Ra era todo metido em egiptologia, sabe-se lá de onde veio essa alcunha.

Nos anos 60, a fama de Pharoah foi consagrada. Colhendo os frutos de seu reconhecimento com Sun Ra, gravou, em 64, seu primeiro álbum como líder do grupo. O disco se chamou, com efeito, “Pharoah’s First”, e acarretou num convite deveras importante para Sanders: um convite de John Coltrane.

Coltrane, naquela época, estava gostando muito da sonzeira mais libertária de ícones como Ornette Coleman, e decidiu ramificar seu trabalho para essa área. Formou uma infantaria de dois trompetes, dois sax-alto e três sax-tenor. Sanders entrou nessa terceira categoria, e lá começou, definitivamente, seu momento no Jazz. O disco se chamou Ascension, e é marco da história da música, com muitos solos e liberdade com licença.

Daí em diante, Pharoah fez a festa. Consagrou-se no estilo que atualmente é chamado de Cutting-edge Jazz, uma forma mais ácida do jazz que seria como um fusion-tradicional-contemporâneo. Não se preocupe, explicarei-me.

O fusion fica na liberdade, na dinâmica nova dos timbres e efeitos, no caso do sax o preferido de Pharoah é o over-blowing, técnica que consiste em estourar mesmo o som do instrumento, soprando pesado.

O tradicional está, principalmente, nas formações usadas e, em certos momentos, na execução de temas. Há, é claro, momentos que essa tradição foi deixada de lado.

A contemporaneidade está no som. No som anárquico de Sanders, no timbre, na técnica, na primazia. Cabe dizer que o referido som é único, mesmo apresentando influencias claras de Coltrane e Sun Ra, além de Freddie Hubbart.

Em 85, Pharoah lançou o álbum “Africa”, no qual é além de intérprete, fazedor de grandes temas. Tocou, nesse álbum, músicas como “Naima” ou “Speak Low”, mas com um arranjo que é bem só.

A música que dá nome ao disco é bem interessante, é um som um tanto étnico que não parece ter muita etnia, raça ou cor. Os gritos de do coro são, sem duvida, palavras de ordem da música, ou de desordem da música. Há influências de ritmos popularizados na América central, como a salsa além, é claro do bom batuque africano, que acoberta e é bom de escutar.

Minha faixa favorita é “You’ve Got to Have Freedom”. Nela percebemos a versatilidade do som de Sanders, que caminha do estridente ao aveludado em um mesmo compasso. O over-blowing é bem perceptível nessa faixa também.

Alias, se alguém souber o que está escrito na capa, depois me conte, por favor.

Escute Pharoah. Escute-o.

Faixas:

01. You've Got To Have Freedom

02. Naima

03. Origin

04. Speak Low

05. After The Morning

06. Africa

07. Heart To Heart

08. Duo

link pra downloadar tá nos comentários.

Dom Um Romão - Hotmosphere (1976)

2010-10-25T20:05:00.007-02:00

Agora eu tenho um disco digno.

Dom Um Romão, é o meu sujeito digno, baterista carioca nascido no dia 3 de Agosto de 1925, junto a João Gilberto é tido como um dos criadores da batida da Bossa Nova. Trabalhou na Rádio Tupi, acompanhando cantores e nos anos 50 formou o Copa Trio, é tido como o responsável por introduzir Elis Regina no meio do Beco das Garrafas, lendário local onde surgiu a bossa nova.

Na década de 60 juntou-se a Sérgio Mendes para executar shows nos EUA, na disseminação da música brasileira por lá. Tocou em shows com Elis Regina, Quarteto em Cy, Elizeth Cardoso entre outros.

No final da década de 60, casado com Flora Purim, voltou aos EUA e participou de discos de Jobim e Tonny Bennet.

Na década de 70 entretanto vem um grande marco de carreira, quando tornou-se integrante do Weather Report, banda de Fusion, comparável aos Headhunters de Herbie Hancock e ao Pat Matheny Group, foi considerado um dos grandes inovadores da linguagem do Jazz. Apenas então em 1972 que lançou seu primeiro disco solo, "Dom Um Romão". Na década de 80 foi morar na Suiça e sempre participou de festivais de Jazz e Samba ao redor do mundo.

É um baterista diferenciadíssimo e o disco de hoje é de 1976, já depois das suas experimentações jazzísticas e fusiônicas (?!), arranjado por Célia Vaz, formada pelo Conservatório Brasileiro de Música e Instituto Villa Lobos e pela Berklee School of Music em Boston, com Dom Salvador no piano, pianista que tornou-se profissional aos doze anos e excursionou pela Europa com Edu Lobo entre outros, Cláudio Roditti no Trompete, incrível trompetista que cativou Dizzy Gillespie e Ed Lincoln, e Sivuca no Violão e vocais, conhecido por disseminar a sanfona do meu nordeste, além de multiinstrumentista e virtuose como seu colega, Hermeto Pascoal, que não requer introdução.

Tudo isso em mente esse disco traz uma sonoridade incrível, músicas diferenciadas, tocadas de forma única, com arranjos bem brasileiros, e genialidade fluindo pela janela nisso que é um brilhante e legítimo Jazz Brasileiro.

Faixas:

"Escravos de Jó" 4:06
"Mistura Fina" 3:01
"Caravan" 5:14
"Spring" 3:33
"Pra Que Chorar" 4:44
"Amor en Jacuma" 5:28
"Tumbalele" 3:21
"Piparapara" 3:53
"Chovendo na Roseira" 3:16

Link nos COmmENTS

Grateful Dead - Workingman's Dead (1970)

2010-10-19T15:20:00.005-02:00

Eita.

Tá ficando difícil manter o ritmo de postagem, bendita faculdade.

Bom, tentando agora dar uma revitalizada eu vou fugir do Funk e vou migrar para o, levemente similar, quanto à escrita, Folk.

O Grateful Dead, chamado por vezes de The Dead, é uma banda americana de 1966, mais ou menos, direto da Califórnia, surgiu junto como Jefferson Airplane, com a Janis Joplin, encaixando-se precisamente nesse meio costa Oeste americana do Rock Psicodélico. E se eu não me engano eu já citei o Jerry Garcia num post aí, acho que o do Takes Off, primeiro disco do Jefferson Airplane.

Esse sujeito, o tal Jerry Garcia, que tocava banjo e guitarra, o Bob Weir, guitarrista também, e o Ron "Pigpen" McKernan que tocava um Hammond como poucos, tocavam juntos numa banda chamada Mother McCree's Uptown Jug Champions, que não emplacou. Aos três juntaram-se o baixista de formação clássica, Phil Lesh, e o baterista Bill Kreutzmann. Em 1966 eles tocaram, alavancados pelo LSD, em um dos primeiros festivais de música psicodélica que ocorreram na história do Rock'n'Roll americano, o Trips Festival.

Há uma ou outra explicação para o nome da banda e talvez este seja o local adequado para divulgá-las. A primeira, diz que num dia, Jerry Garcia abriu uma enciclopédia e encontrou lá o verbete "Grateful Dead" que seria referente a uma alma que agradesce ao vivo pelo seu enterro. A segunda explicação diz que certo dia quando Jerry Garcia levanou um dicionário várias páginas caíram e as palavras Grateful e Dead apareceram juntas, e ficou por isso mesmo. Quem quiser acreditar, tá aí.

A banda tocou em Woodstock em 1969, junto com tantos outros, que é desnecessário listar aqui.

Bom, em 1970 o Dead lançou seu quarto disco de estúdio, o Workingman's Dead. É um disco curtinho, 35 minutos da sua vida, que deveram se repetir, porque são bons. Para qualquer apreciador de boa música, há nesse disco uma mescla entre Blues, Folk, Bluegrass, Country e uma montanha de Rock Psicodélico. O que mais me agrada aqui, no entanto, são os vocais de Bob Weir e Jerry Garcia, que se misturam de forma brilhante. Traz belas músicas como "New Speedway Boogie", "Casey Jones" entre outras

Eu já escutei esse disco mais constantemente, agora é algo mais de eventualidades, porém é sempre agradabilíssimo escutar.

Faixas:

"Dire Wolf" 3:15
"Uncle John's Band" 4:45
"High Time" 5:16
"New Speedway Boogie" 4:08
"Cumberland Blues" 3:18
"Black Peter" 5:45
"Easy Wind" 5:01
"Casey Jones"

Link nos Comments.

Parliament - Mothership Connection (1975)

2010-10-07T17:03:00.004-03:00

"Boa noite! não tente mudar seu rádio, não há nada errado,

nós tomamos controle para lhe trazer esse show especial,

você o terá de volta assim que estiver no Groove

Bem vindo à rádio W E F U N K, mais bem conhecida como We-Funk"

E dessa forma começa o Mothership Connection, quarto álbum gravado pela banda Parliament, banda de George Clinton (tido como um dos pais do Funk, junto de James Brown e Sly Stone), apresentada previamente no post do primeiro disco da banda, Osmium.

Pessoalmente, eu julgo ser o melhor disco da banda, no meio da década de 70, como previamente dito, o Funk no seu auge e o Parliament solta um disco conceito. Segundo George Clinton o objetivo era colocar o negro em situações na qual ninguém o veria normalmente, e o fã de Star Trek optou por colocá-lo no espaço.

Cara, na boa? É o que eu gosto de escutar todo dia, não paro de ouvir e eu não precisei me dar ao trabalho de fazer um texto muito extenso de apresentação, porque ela já tá no blog.

"P.Funk (Wants to Get Funked Up)" é fodida, "Supergroovalisticprosifunkstication" é outra sensacional, "Give Up The Funk (Tear the Roof Off The Sucker)", etc. Não meço palavras aqui. um dos meus discos favoritos, para você ouvir e curtir.

Bom feriado, bom SWU para aqueles que vão, etc e tal.

Faixas:

"P. Funk (Wants to Get Funked Up)" 7:40
"Mothership Connection (Star Child)" 6:12
"Unfunky UFO" 4:24
"Supergroovalisticprosicfunkstication" 5:04
"Handcuffs" 4:03
"Give Up The Funk (Tear The Roof Off The Sucker)" 5:47
"Night of The Thumpasarous Peoples" 5:12
"Star Child (Mothership Connection)" [Promo Radio Version] 3:08

Funkylinknoscommenstgroovielicious

Earth Wind & Fire - That's The Way of The World (1975)

2010-09-27T17:07:00.005-03:00

Salve salve, saqueadores e saqueatrizes!

Já havia muito tempo que eu não vinha parar nesse blog para postar qualquer coisa e eis que me veio a idéia de postar um som do Neville Brothers, mas quem diria, o disco que eu estava pensando já está presente aqui no blog, o Yellow Moon (1989), então me dobrei para achar algo que eu vinha escutando e caberia bem nesse blog. Eis que me veio à mente o Earth Wind & Fire.

Banda formada em 1970 por Verdine e Maurice White, baterista da Chess Records (Chuck Berry, Muddy Waters, Etta James, etc), só que há um problema. A banda tinha 10 membros e eu tenho preguiça.

Então vamos tentar organizar os músicos por instrumentos, já que essa cambada era capaz de tudo... O BAIXISTA era Verdine White, na BATERIA faziam turnos, Fred, Maurice White e Ralph Johnson, a FLAUTA e o SAXOFONE eram de Andrew P. Woolfolk, as GUITARRAS eram tocadas por Al McKay e Johnny Graham, a CALIMBA (para os curiosos, está na wikipedia) pertencia ao criador e produtor da banda Maurice White, PIANO, ÓRGÃO, SINTETISADOR E MOOG nas mãos de Larry Dunn, os VOCAIS por Maurice, Verdine White e Philip Bailey.

Tomara que minha confusão tenha contagiado vocês e assim eu receba uma absolvição de quem se deu ao trabalho de ler.

O disco foi trilha sonora de um filme homônimo no qual estavam os músicos da banda fazendo papéis ficcionais de si mesmos.

Enfim, o som aqui presente traz muito do Sly & The Family Stone, com uma pegada bem Disco, um xablau de Gospel e muito, muito Groove. Ficam em destaque as músicas "Happy Feeling" e "Shining Star", pelos seus ritmos acelerados e exceso de Feeling.

Aquele abraço, qualquer dia o A Whole New Thing do Sly & The Family Stone.

Faixas:

"Shinnig Star" (2:51)
"That's The Way of The World" 5:47
"Happy Feeling" 3:37
"All About Love" 6:37
"Yearnin', Learnin'" 3:41
"Reasons" 5:02
"Africano" 5:12
"See The Light" 6:21

Link devidamete posto nos comments.

The Roots Of Chicha: Psychedelic Cumbias From Peru (2007)

2010-09-19T19:57:00.004-03:00

Ritmo tradicional da Colômbia, a Cúmbia é a mistura de tambores de origem africana com instrumentos indígenas e poesia espanhola. Apesar de sua origem colombiana, o gênero musical difundiu-se rapidamente pelos países vizinhos, tornando-se um dos mais populares das nações da América Latina de língua castelhana. Como era de se esperar, foi sofrendo variações, ganhando subgêneros regionais. Falarei aqui sobre um deles: a Cúmbia Amazônica, também chamada de Chicha (nome de um licor Inca), que surgiu na região peruana da floresta quando esta, no final dos anos 60, vivia um grande desenvolvimento urbano em função do petróleo.

Por meio da TV e do rádio, os artistas das cidades locais passaram a entrar em contato constante com o rock estadunidense e britânico. Influenciados, incorporaram à sua música popular elementos da psicodelia e do surf-rock, passando a usar instrumentos elétricos como guitarras, órgãos fárfisa e até mesmo sintetizadores moog. O resultado disso é a Chicha, miscigenação entre a Cúmbia tradicional do Peru e o pop internacional.

Em outras palavras, o rock entrou direto na música peruana como uma manifestação cultural autêntica, e não como mera imitação de padrões estrangeiros (como reclamei que acontecia no disco "Steam Kodok", de Singapura, que postei aqui semana passada). Não à toa, é comum encontrarmos por aí comparações entre a Cúmbia Amazônica e a Tropicália no Brasil, afinal ambos tinham forte caráter antropofágico. A diferença, porém, é que, enquanto o tropicalismo foi pensado e aplaudido por uma nata de artistas intelectualizados, a Chicha surgiu como uma forma popular, elogiada nas pistas de dança e não entre os críticos.

Por causa disso, o gênero acabou por ficar esquecido, sem nunca ter ido além das fronteiras de seu país de origem. Eis que, em 2007, a Barbes Records organizou "The Roots of Chicha", a primeira coletânea de Cúmbias Amazônicas lançada fora do Peru. E aqui está ela.

Trata-se de um álbum sensacional do começo ao fim, com músicas bem embaladas e envolventes. Há, entre elas, tanto faixas instrumentais (entre essas, vale dar destaque ao "Sonido Amazônico" dos Los Mirlos e "Para Elisa", versão "chichada" da música de Beethoven feita pelos Los Destellos) quanto com vocal (como "Ya Se Ha Muerto Mi Abuelo", de Juaneco y Su Combo).

Enfim, enfim, estou me prolongando demais aqui... Fiquem com o disco.

Ah, outra coisa: li que no dia 12 de Outubro vai sair a continuação da coletânea, "Roots Of Chicha vol.2". Fiquem atentos, quem sabe não posto ela aqui no Saqueando logo mais...

Faixas:

1. Sonido Amazonico - Los Mirlos
2. Linda Nena - Juaneco Y Su Combo
3. Carinito - Los Hijos del sol
4. A Patricia - Los Destellos
5. Sacalo Sacalo - Los Diablos Rojos
6. Ya Se Ha Muerto mi Abuelo - Juaneco Y Su Combo
7. El Milagro Verde - Los Mirlos
8. Para Elisa - Los Destellos
9. Linda Munequita - Los Hijos Del Sol
10. Muchachita del Oriente - Los Mirlos
11. Para Elisa - Los Destellos
12. Vacilando Con Ayahuesca - Juaneco Y Su Combo
13. El Guapo - Los Diablos Rojos
14. Mi Morena Rebelde - Eusebio y Su Banjo
15. Si Me Quieres - Los Hijos Del Sol
16. Me Robaron Mi Runa Mula - Juaneco Y Su Combo

17. La Danza de Los Mirlos - Los Mirlos

Link para download nos comentários, muchacho.

Mas se cê tiver com preguiça de baixar, dá pra ouvir pelo MySpace.

The Kinks - Are The Village Green Preservation Society (1968)

2010-09-17T15:55:00.005-03:00

Ah o rock'n'roll.

Outra grande banda do gênero vai pipocar hoje no saqueando, sim, The Kinks.

O The Kinks era uma banda inglesa muito boa, se você quer saber mesmo. Estouraram em 1964 com o disco The Kinks, que trazia alguns covers como "Beautiful Delilah" e "Too Much Monkey Business" de Chuck Berry, assim como tinha também músicas próprias como o sucesso "You Really Got Me", lançado em agosto do mesmo mês e razão principal do grande sucesso da banda.

A formação original do grupo consistia nos irmãos (Dave e Ray) Davies, ambos guitarristas, Pete Qualife, baixista e Mick Avory, baterista. Nos estúdios ainda tinham a companhia de Nicky Hopkins, pianista, aquele do cd Truth (1968) do Jeff Beck.

Enfim, em 1968 a banda lançou o seu último cd com a formação original. O disco em questão é esse do título enorme aí. É um disco conceito, inspirado numa viagem de Ray Davies para a cidade rural Devon.

O disco é tido como um dos melhores e mais influentes da banda, é claro que não faltam comparações com o sgt Peppers, mas eu vou me abster de falar qualquer coisa nesse aspecto, quem se interessar em falar, tem meu convite para fazer algum comentário. Músicas como "The Village Green Preservation Society", "Village Green" (música que foi o fator catalístico na gravação do disco, uma vez que ela foi tocada pela primeira vez nas gravações de Something Else (1967)), "Picture Book", "Animal Farm" e várias outras mostram o que é o disco, uma mescla de baixo e bateria bem tocados, precisos, conscientes, uma guitarra sem pressa e arranjos vocais espetaculares (aqui vale um comentário próprio, lembrei da Tulipa Ruiz, na música "Picture Book" (do Kinks), os backing vocals do grupo inglês lembram o vocal da cantora em "Às Vezes").

Aquele abraço, em breve pirações peruanas do Caião.

Faixas:

"The Village Green Preservation Society" 2:53
"Do You Remember Walter?" 2:28
"Picture Book" 2:36
"Johnny Thunder" 2:30
"Last of The Steam-Powered Trains" 4:12
"Big Sky" 2:52
"Sitting By The Riverside" 2:25
"Animal Farm" 3:03
"Village Green" 2:13
"Starstruck" 2:30
"Phenomenal Cat" 2:40
"All of My Friends Were There"
"Wicked Anabella" 2:45
"Monica" 2:20
"People Take Pictures of Each Other" 2:18

Link devidamente colocado onde pertence, nos palpites.

Cream - Fresh Cream (1966)

2010-09-09T19:06:00.004-03:00

Seguindo a toada daquele último post, eu confirmo o que disse e trago para vós um novo disco no saqueando, depois do primeiro disco de Jimmy Page pós Yardbirds e do primeiro disco Jeff Beck pós Yardbirds trago o primeiro disco de Eric Clapton pós Yardbirds.

O Cream foi formado em 1966 após a saída do gênio, guitarrista e vocalista Eric Clapton do Grupo Yardbirds e da John Mayall's Bluesbreakers, por sentir-se sufocado (parece papo de namorado), mas quem diria que naquele momento ele (Clapton) já era considerado o melhor guitarrista da Inglaterra, e não por falta de razões.

Foi nesse mesmo ano que encontrou Ginger Baker, baterista do Graham Bond Organisation, que apresentou Jack Bruce, baixista, pianista e gaitista, que também tocava na GBO e estava cansado dos ataques de Graham. O acordo se deu numa estrada para Londres, Baker propôs e Clapton aceitou sob uma condição, que Jack Bruce fosse o baixista.

Senhoras e senhores temos o primeiro grande trio da história do Rock'n'Roll, isso por que além deles eu penso na Jimi Hendrix Experience, vale lembrar que Hendrix era fã assumido do Cream e quis uma banda apenas com três membros em função da banda inglesa, além dessas duas eu consigo lembrar só do Rush e do Emerson, Lake & Palmer, mas nenhuma é tão emblemática quanto a Experience ou o Cream.

Bom, meus caro o primeiro cd traz excelentes músicas além de grandes demonstrações de aptidão dos músicos (leia-se fodelância [sic] músical, e me desculpem pelo termo, mas hoje eu vou deixá-lo aqui) o Cream é uma das primeiras sementes do Rock Psicodélico que englobaria tantos artistas que nem vale à pena citar.

Músicas como "I Feel Free" e "Toad" são mais conhecidas ao ouvido, mas fica a dica para "Spoonful", "Cat's Squirrel", o blues, que aponta muito bem o gosto de Clapton, "Sleepy Time Time" e todas as outras. CDZAÇO

Faixas:

"I Feel Free" 2:53
"N.S.U." 2:48
"Sleepy Time Time" 4:24
"Dreaming" 2:01
"Sweet Wine" 3:20
"Spoonful" 6:29
Cat's Squirrel" 3:08
"Four Until Late" 2:11
"Rollin' And Tumblin'" 4:44
"I'm So Glad" 3:59
"Toad" 5:12
"The Coffee Song" 2:47
"Wrapping Paper" 2:24

Link nos Comments

Monsueto Menezes - Mora na Filosofia dos Sambas de Monsueto (1962)

2010-09-07T18:21:00.003-03:00

Carioca da extinta Favela do Pinto, Monsueto Menezes foi uma peculiar figura da cultura popular brasileira dos anos 50 e 60. Com um metro e oitenta de altura e inquestionável bom-humor, fez fama como comediante em quadros de programas rádio e TV, atuou em 17 filmes (nacionais e estrangeiros) e ainda ganhou, no fim de sua curta vida, respeito como pintor primitivista. Porém, o que lhe garantiu entrada para a história foi, sem sombra de dúvidas, seu talento musical.

Sambista da melhor categoria, Monsueto foi, antes de um bom cantor, um grande compositor. Não à toa, suas melhores canções foram eternizadas nas vozes de outros intérpretes. É o caso dos clássicos "Me Deixa Em Paz", gravado por Milton Nascimento em "Clube da Esquina", e "Mora Na Filosofia", que Caetano gravou no álbum "Transa". Entretanto, na ocasião do lançamento dessas duas versões, em 1972, Monsueto já era há muito um artista consagrado, cujo auge da carreira já tinha inclusive ficado pra trás (viria a falecer no ano seguinte).

Pois é, falemos logo então da carreira do cara... Menezes começou a vida artística nos anos 40 tocando bateria em conjuntos como a Orquestra do Copacabana Palace. Em 1952 teve sua primeira canção gravada: "Me Deixa em Paz", na voz de Linda Batista. Daí em diante, foi ganhando destaque como compositor e passou a ser sucesso nos carnavais e shows cariocas. Assim, em 1962, já consagrado, Monsueto gravou seu único álbum, que trago aqui hoje.

Em "Mora na Filosofia dos Sambas de Monsueto", o sambista interpreta a nata de sua obra em uma série de embalados pout-pourris. As letras, quase sempre bem-humoradas, transitam principalmente entre temas amorosos (em especial a dor de corno), mas não só ("Lamento da Lavadeira" e "Fogo no Morro", por exemplo, têm certo cunho social). É possível ainda ouvir, entre as paradas e breques, Monsueto exclamando algumas das gírias que cunhou e/ou popularizou em seus quadros de TV na época, tais quais "ziriguidum", "diz!", "castiga..." e, é claro, "morou?".

Enfim, trata-se de um grande álbum, bom pra chacoalhar os quadris, mas talvez um pouco repetitivo para ser ouvido de cabo a rabo em função da maior parte das faixas repetir uma forma muito parecida de samba. Resta agora que você more no disco. Boa sorte.

(Ah... Procurei por cenas do Monsueto na TV no youtube e não achei nada de relevante senão um vídeo dele cantando "Ziriguidum" com a Elza Soares. Se alguém tiver algum registro melhor, deixa nos comentários, por favor! Valeu)

Faixas:

1. Bateria e solo de percussão

2. Mora na Filosofia/Couro do Falecido

3. Tá Pra Acontecer/Levou Fermento

4. Me Empresta Teu Lenço/Me Deixa em Paz

5. Rua Dom Manuel/Senhor Juíz

6. A Fonte Secou

7. Copacabana de Tal/Esse Samba Tem Parada

8. Água e Azeite/Na Menina dos Meus Olhos

9. Lamento da Lavadeira/Na Casa de Antônio Jób

10. Nó Molhado/Morfeu

11. Segunda Lua de Mel/Fogo no Morro

12. Eu Quero Essa Mulher Assim Mesmo

Link nos comentários, morou?

Busdriver - Temporary Forever (2002)

2010-09-06T21:17:00.005-03:00

Enfim o contemporâneo!
Regan Farquhar era um menino que, desde cedo, estava inserido no universo hip-hop: seu pai fora produtor de filmes da cultura musical negra naquela época. Com nove anos de idade, já fazia rap em um grupo de LA, o “4/29”. Com 13 anos de idade, lançou seu primeiro disco, com esse mesmo grupo. Com 15 anos, já fazia presença na noite estadunidense.
Em pouco, lançou seu primeiro álbum solo, no qual usava o codinome de “Busdriver”; o nome do disco era “Memoirs of the Elephant Man”, e alavancou a carreira de mais um rapper da costa oeste. Esse, em especial, tinha a capacidade de cantar rápido. Muito rápido.
Enfim 2002. Nesse ano, Busdriver lançou o disco que aqui posto. “Temporary Forever” é diferente da maioria dos álbuns de rap vendidos e ouvidos. Ele é fiel ao que rap significa: o ritmo e a poesia. Quanto a essa, confesso que a “técnica vocal” de Busdriver não me permitiu entender mais que um terço do álbum, mas acredito que, nesse caso, a quantidade de letras se converteu em qualidade.
Quanto ao ritmo, outra peculiaridade. Busdriver caminha sobre diversos estilos ao decorrer do álbum. Mas você deve estar pensando: não era um disco de rap como outro qualquer? A poesia de Busdriver mostra-se versátil e usa, como base, diversos ritmos, qual o clássico (“Imaginary Places”, na qual a flauta toca uma famosa peça de Bach), ou o Jazz (“Jazz Fingers”). Nessa última, em especial, cabe citar a quase evidente proposta de Busdriver de sobrepor a música popular ao erudito ou ao elitista, usando o Jazz e o Clássico como base para a “música real”. O universo dissonante e o arritmico também marcam presença, e Busdriver lida muito bem com esses, vide “Single Cell Ego”.
Nas letras, vamos de Nashville até contas de gás em menos de dois segundos. É incrível a fartura da letra, a não monotonia dela e, ainda por cima, a criatividade impressionante do rapper. Cá entre nós, não é fácil ficar mais de uma hora falando no andamento mais rápido possível e sem ser repetitivo.
O disco não é de todo sério. Ele é de todo cômico, vide o tom de voz do nosso Rapper. Acho que o nome de certas faixas ilustram bem essa comicidade, a saber: “The Truth of Spontaneous Human Combustion” ou "Reality Sandwich".
Viva a revolução!

Faixas:
1. "New Aquarium"
2. "Imaginary Places"
3. "Along Came a Biter"
4. "Idle Chatter"
5. "Gun Control"
6. "Mindcrossings"
7. "Suing Sony"
8. "Stylin' Under Pressure"
9. "Single Cell Ego"
10. "Somethingness" (Featuring Radioinactive and Rhetoric, produced by Edit)
11. "Driver's Manual"
12. "The Truth of Spontaneous Human Combustion" (Featuring Of Mexican Descent)
13. "Opposable Thumbs"
14. "Unplanned Parenthood"
15. "Jazz Fingers" (Featuring Aceyalone)
16. "Reality Sandwich"
17. "Wrong Route"
18. "Post Apocalyptic Rap Blues"

LINKNOSCAOMENAA (link in comments)

Jeff Beck - Truth (1968)

2010-09-02T19:55:00.009-03:00

Algum dia, nesse blog eu falei de uma banda chamada Yardbirds, e como dela saíram três dos melhores guitarristas ingleses, entre eles, Jimmy Page, do Led Zeppelin e Eric Clapton, do Cream, que vai ser meu próximo post, já que eu acabei de perceber que não tem Cream no saqueando.

Bom, do Yardbirds também saiu Jeff Beck, esse dito cujo seguiu carreira solo e montou uma bandinha em 1968. Consistia em resumo dele próprio, na guitarra, o baixista era ninguém mais que Ronnie Wood, sim, o guitarrista dos Stones, na bateria sentava-se Micky Waller e nos vocais estava escalado um cantor que viria a ficar famoso hoje em dia com umas músicas meio água com açúcar, um tal de Rod Stewart. Esse é o Jeff Beck Group.

O disco também é famoso em função dos músicos convidados. O guitarrista de estúdio em ascensão, ninguém menos que o previamente citado Jimmy Page. Também o baixista, pianista e multiinstrumentista John Paul Jones, também futuro Zeppelin na ocasião, já que o disco foi gravado em agosto, entre o último show dos Yardbirds e o primeiro do The New Yardbirds, vulgo Led Zeppelin na turnê da Escandinávia (mais informações neste post). Tocou também o pianista Nicky Hopkins, que performou com vários artistas, entre eles os Beatles, os Stones, Kinks, The Who e até Jefferson Airplane. Por fim, mas também incrível o baterista Keith Moon, do The Who, talvez o melhor baterista de Rock'n'Roll de todos os tempos tocou na música "Beck's Bolero". Tudo isso viria a ser amarrado pelo produtor que também trabalhou com The Animals e Suzi Quatro.

Tendo isso dito, o que eu trago aqui não é nada menos que um dos maiores discos de música popular da história. Traz algumas músicas emblemáticas como "Beck's Bolero", gravada em 1966, alguns blues como "You Shook Me" de Willie Dixon, "Rock My Plimsoul" do próprio Beck e de Rod Stewart.

Enfim, baita pérola que, se eu fosse você, não abriria mão de ter.

Por sinal, o disco foi lançado de novo recentemente com faixas bônus que não estão inclusas no upload.

Faixas:

"Shapes Of Things" 3:21
"Let Me Love You" 4:44
"Morning Dew" 4:43
"You Shook Me" 2:31
"Ol' Man River" 4:02
"Greensleeves" 1:50
"Rock My Plimsoul" 4:14
"Beck's Bolero" 2:25
"Blues De Luxe" 7:30
"I Ain't Superstitious"

Aquele abraço que eu vou viajar no feriadex

Fica o link nos comments

Steam Kodok - 17 A-Go-Go Ultrarities From The 60's: Singapore and Southeast Asia Underground

2010-08-30T13:13:00.002-03:00

Como já explica o subtítulo, "Steam Kodok" é uma coletânea de raras gravações de rock psicodélico provenientes do Sudeste Asiático na década de 60. No melhor estilo das coletâneas garageiras à lá Nuggets, o álbum reúne a nata das bandas 'underground' de Singapura, Tailândia e Malásia. Quer dizer, 'underground' só aos nosso olhos de ocidentais do século XXI, pois, a julgar pela qualidade do som, os grupos deviam ser (e eram) relativamente famosos em seus países de origem.

Apesar da proveniência exótica das faixas ser o grande apelo do álbum, são poucas e raras as marcas da cultura local em seu conteúdo. A maioria das músicas apenas imita um modelo americano/inglês de rock, só que cantado em língua oriental. O que não torna o disco pior, nem melhor. É tudo muito bom, mas pouco original, mais ou menos que nem a rapaziada da Jovem Guarda no Brasil (ó, dura vida de terceiro mundo...).

Há, porém, algumas exceções. A mais notável é, sem dúvidas, "I Am A Drummer", de King Drummer, que não tenta esconder suas origem singapurianas, mas também não perde a atitude roqueira. Já a sombria "Unknown", de Fox, tende para um lado mais experimental, acompanhada por gritos e gemidos que parecem miados de gato. Por fim, "Hu Pi Tzu Shau Hsiang", faixa inteiramente instrumental do The Quests, se aproveita da moda da cítara para assumir suas raízes orientais. De resto, são todas músicas muito boas, mas pouco surpreendentes.

E, ah, só mais um comentário final: o álbum teve uma versão em CD lançada em 2003, com 26 faixas ao invés de só 17. Conforme for, vou colocar link pras duas nos comentários. Bom, isso é tudo por hoje, pessoal.

Faixas:

1. Mungkir Janji - D4 Ever

2. Ikan Todak - Les Califas

3. Chock Chock Kundong - Mike Ibrahim & The Nite Walkers

4. Gembira Ria - Rosna & The Siglap Five

5. Unknown - Fox

6. Mak Itty Mai Illa - Kassim Slamat & The Swallows

7. Buttons and Bows - Ronnie Ong

8. Barabajagal - October Cherries

9. Nga Lompok A Go Go - Kassim Slamat & The Swallows

10. I'll Be Your Man - The Quests

11. Bad Looser - Naomi & The Boys

12. Senyum Selalu - Mike Ibrahim & The Nite Walkers

13. Hu Pi Tzu Shau Hsiang - The Quests

14. Bersedia - Ismail Haron & The Guys

15. I Wish You Would - The Dynamics

16. Runaway - The Antartics

17. Unknown - King Drummer

Link pra download nos comentários.

The Turtles - EP (1967)

2010-08-26T15:04:00.004-03:00

Formada em 1965 o The Turtles é outra banda americana e sessentista da Califórnia, originalmente chamados The Crossfires from The Planet Mars, ou simplesmente The Crossfires, eventualmente seriam chamados de The Tyrtles, algo entre The Beatles e The Byrds, mas no final ficaram com The Turtles mesmo.

Assim como o The Byrds a banda atingiu sucesso com um cover de Bob Dylan, o The Turtles gravou uma versão de "It Ain't Me", de 1964, que apareceu no disco The Other Side of Bob Dylan, a versão era bastante semelhante à original e foi o primeiro passo de sucesso do grupo.

O seu maior sucesso, entretanto é bastante conhecido por aí e se chama "Happy Together".

O disco postado hoje é um EP no qual foi lançado a tal música conhecidíssima e fica aqui de presente, traz muita influência do R&B americano, que também influenciaria muito o som inglês. Uma pegada meio Otis Redding com Beatles, sei lá. Bem bacana.

Em breve meu post de verdade dessa semana.

Um Jeff Beck, já que ele tá vindo pra cá.

Faixas:

"So Happy Together" 2:53
"We'll Meet Again" 2:28
"Can I Get To Know You Better" 2:37
"Like The Seasons" 1:51

Link nos comments

Big Mama Thornton - Stronger Than Dirt (1969)

2010-08-21T14:05:00.005-03:00

Blues beibe.

Bom, grande parte dos artistas do rock foram influenciados por Chuck Berry no jeito de tocar guitarra, aprenderam com Jerry Lee Lewis e Little Richard como ser um frontman e por aí vai, mas de onde veio o estilo de cantar de Janis Joplin, Koko Taylor, Aretha Franklin e tantas outras? Bom, meus caros, veio desta grandiosa cantora e compositora Big Mama Thornton.

Nasceu no Alabama no dia 11 de dezembro de 1926 com o nome Willie Mae Thornton. Tal qual a maioria das cantoras de Blues começou a cantar na igreja, precisamente naquela em que seu pai era pastor e sua mãe e irmãos cantores. Aos 14 anos, em 1941 saiu de sua cidade após a morte de sua mãe e se juntou à Sammy Green's Georgia-based Hot Harlem Revue na qual cantou por 7 anos.

Em 1951 juntou-se à Peacock Recordings na qual gravou em 1952 o seu primeiro grande sucesso, muito conhecido ao redor do mundo na voz do rei Elvis Presley, "Hound Dog". O lado B deste disco era "They Call Me Big Mama", o single vendeu mais de 2 mi de cópias etc e tal. Curiosamente outra música teve o mesmo destino. Gravada a princípio por Big Mama, "Ball and Chain" foi um dos grandes sucessos de Janis Joplin.

Em 1966 e 1968 tocou no Monterrey Jazz Festival, apresentou-se também em 1952 no Apollo Theatre de Nova Iorque.

Em 1969, depois de alguns bons cd's incluindo Big Mama Thornton With The Muddy Waters Blues Band e alguns singles, lança o discaço de blues Stronger Than Dirt. O disco traz clássicos como as já citadas "Hound Dog" e "Ball and Chain", "Summertime" o clássico de George Gershwin. Essas três é previsível que estejam extraordinárias, mas eu gostaria de citar duas músicas também espetaculares: "Funky Broadway" e "Ain't Nothing You Can Do".

Uma artista elementar para a história da música popular mundial especialmente para a história do blues e do Rock'n'Roll.

Faixas:

01. Born Under a Bad Sign (3:44)

02. Hound Dog (2:25)

03. Ball And Chain (4:40)

04. Summertime (4:12)

05. Rollin' Stone (3:56)

06. Let's Go Get Stoned (4:30)

07. Funky Broadway (4:16)

08. That Lucky Old Sun (3:36)

09. Ain't Nothin' You Can Do (3:40)

10. I Shall Be Released (4:38 )

Fica o link nos comments

Renato Mendes - Electronicus: Música Brasileira Interpretada em Moog Synthesizer (1974)

2010-08-19T11:45:00.001-03:00

Desenvolvido em 1963 pelo músico e engenheiro estadunidense Robert A. Moog, o Moog (pronuncia-se "mógue") é o mais popular tipo de sintetizador moderno. Apesar de muitas vezes confundido com órgãos elétricos, diferencia-se destes por apresentar uma capacidade criar inúmeros timbres, enquanto os órgãos apresentam um número limitado de tipos de sons possíveis.

O principal responsável pela introdução do tal instrumento no mercado musical foi Walter Carlos, que gravou o clássico "Switched-On Bach" (1968), além da trilha sonora do filme Laranja Mecânica (1971). Já no rock, o Moog teve sua vez no progressivo, nas mãos do tecladista Keith Emerson, da banda Emerson, Lake & Palmer.

E na MPB, como fica a história? Pois é, meus senhores... O que trago aqui hoje está entre as primeiras investidas de brasileiros em álbuns só de sintetizadores, tendo sido antecedido apenas pela "Banda Elétrica", de 1973.

Gravado em 1974, "Electronicus", disco do desconhecido Renato Mendes (não consegui achar nada sobre o cara, se alguém tiver informações dá um toque aí), traz interpretações em Moog de faixas clichês da música brasileira, como "Desafinado" e "Tarde em Itapoan". Não se trata de uma obra-prima, nem nada do tipo, mas é muito divertido. Da forma que é usado aqui, o sintetizador dá às músicas um tom bem-humorado e debochado, com qualquer coisa de circense, assassinando o charme de belas canções como "A Banda".

Bom... No fim das contas, "Electronicus", por mais que possa ser interessante, é um disco bem meia-boca. Admito que só tô publicando porque o post tava rascunhado há muito tempo e fiquei com pena de excluí-lo. Aí vai.

Faixas:

1- A Noite do Meu Bem

2- A Banda

3- Menina

4- Tristeza

5- Balanço Zona Sul

6- Tarde em Itapoan

7- Bolinha de Sabão

8- Desafinado

9- Marcha da 4a. Feira de Cinzas

10- A Tonga da Mironga do Kabuletê

Link para download nos comentários.

Doces Bárbaros - Doces Bárbaros (1976)

2010-08-17T15:09:00.005-03:00

Êh laiá.

Hoje é um discaço. Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa e Maria Bethânia se juntaram em 1976 para fazer uma turnê, a banda chamada Doces Barbáros ainda tem Tomás Improta tocando piano, ARnaldo Brandão no baixo, Perinho Santana na guitarra, Chiquinho Azevedo na bateria, sax e flautas tocados por Tuzé Abreu e Mauro Senise e Djalma Corrêa na percussão.

A banda teve seu fim proclamado em Florianópolis quando Gilberto Gil for preso por porte de maconha. É um grande disco de muita influência hippie e tropicalista. São especiais "Pé Quente, Cabeça Fria", 'Fé Cega Faca Amolada", "Chuckberry Fields Forever" e muitas outras. O disco foi bastante reprovado na época do seu lançamento por ser acusado de portar um som escapista e festivo em demasia para a época. Uma pena.

Além do disco, gravado ao vivo, por sugestão de Maria Bethânia e Gal Costa, rolou um documentário de Jom Tob Azulay.

"pé quente e cabeça fria", falou, fica este de brinde aí.

Faixas:

"Eu e Ela Estávamos Ali Encostados na Parede" - 4:13
"Esotérico" - 4:11
"Eu Te Amo" - 3:00
"O Seu Amor" - 4:29
"Quando" - 4:15
"Pé Quente, Cabeça Fria" - 3:19
"Peixe" - 3:18
"Um Índio" - 4:43
"São João, Xangô Menino" - 4:32
"Nós, Por Exemplo" - 4:06
"Os Mais Doces Bárbaros" - 1:16
"Os Mais Doces Bárbaros" - 6:43
"Fé Cega Faca Amolada" - 5:31
"Atiraste Uma Pedra" - 4:00
"Pássaro Proibido" - 4:41
"Chuckberry Fields Forever" - 5:25
"Gênesis" - 8:48
"Tarasca Guidon" - 7:31

Barbaridade! nos comments fica o link

Caetano Veloso - Caetano Veloso (1969)

2010-08-09T17:31:00.006-03:00

Êh tropicális

Salve Salve meus caros.

Nasceu em 1942 na Bahia, mais especificamente em Santo Amaro da Purificação, Caetano Veloso. Conhecido pela dupla com Gilberto Gil, é, em comparação com o parceiro, muito menos apaixonado por aquilo que foi feito na Inglaterra e nos EUA, sua música traz mais sonoridades brasieiras, apesar de não isentar-se das influências anglo-americanas (e olhe que esse é um dos cd's mais pesados em gringolância).

Em 1960 se mudou para Salvador onde aprendeu a tocar violão. Fez companhia a Tom Zé, a sua irmã Maria Bethânia e a Gilberto Gil em alguns eventos na sua juventude, eventos esses que o aproximaram da música. Seu primeiro trabalho musical foi a trilha da peça Boca de Ouro do escritor Nelson Rodrigues.

Foi lançado ao mundo da música por sua irmã Maria Bethânia e por Gal Costa, com a canção "Sol Negro". Em 1965 lançou seu primeiro EP com as músicas "Cavaleiro" e "Samba em Paz", o primeiro LP foi Domingo (1967), em parceria com Gal Costa, disco este de sonoridade bossa novista, de onde saiu seu primeiro clássico, "Coração Vagabundo". Nesse mesmo ano (1967) ficou em terceiro lugar no Festival da Música Brasileira da TV Record com "Alegria, Alegria", atrás apenas de "Ponteio" de Edu Lobo e "Domingo no Parque" de Gilberto Gil. Em 1968 lança o LP Caetano Veloso com algumas brilhantes músicas como "Tropicália", "Alegria, Alegria", "Clarice" e "Êles" entre outras.

Então em 1969 lança o álbum branco, pois é Caetano Veloso (1969) é essa capa branca aí em cima, nas gravações o violão era de Gilberto Gil, a guitarra de Lanny, o baixo de Sérgio Barroso, a Bateria de Wilson das Neves, no piano e órgão de Chiquinho de Moraes, tudo isso com arranjos e direção musical de Rogério Duprat.

O disco foi gravado por Gil pois o desempenho de Caetano no violão era considerado abaixo do profissional, foi gravado de forma completamente reclusa, dentro de casa. O disco trás músicas como "Irene" composta na prisão, "Os Argonautas", que entrou no álbum por indicação de Bethânia e traz uma certa sonoridade lusitana, presente em todo o álbum, "Atrás do Trio Elétrico", que parece um convite a todos que queiram juntar-se à tropicália e "Alfômega" a biruta, futurística e meio de garagem música de Gilberto Gil.

Belo disco do Caetano Veloso, um senhor cartão de visitas para quem acaba de chegar ao Saqueando.

Faixas:

"Irene" 3:49
"The Empty Boat" 4:15
"Marinheiro Só" (Tradicional, versão: Caetano Veloso) 3:30
"Lost In Paradise" 3:28
"Atrás do Trio Elétrico" 2:46
"Os Argonautas" 2:48
"Carolina" (Chico Buarque) 2:38
"Cambalaché" (Enrique Santos, Discépolo) 2:32
"Não Identificado" 4:03
"Chuvas de Verão" (Fernando Lobo) 2:51
"Acrílico" (Caetano, Rogério Duarte, Rogério Duprat) 3:01
"Alfômega" (Gilberto Gil) 5:58

's up! link nos comment

Richard Cheese - Lounge Against The Machine (2000)

2010-08-06T20:56:00.004-03:00

Qualquer semelhança lírica não é mera coincidência.

Eu normalmente digito textos voltados para o rock'n'roll, mesmo quando eu pus o Louis Prima eu busco um Jazzinho mais rock, provavelmente isso já foi percebido. Só que hoje eu vou falar de Jazz, Lounge Jazz e como bom "blogueiro" de rock'n'roll e da tropicália eu só posso falar de Jazz se for na brincadeira e não há ninguém melhor do que Richard Cheese para me ajudar nessa tarefa.

Richard Cheese, nome artístico de Mark Jonathan Davis, nascido em 1965 e o frontman do seu grupo de Jazz chamado Lounge Against The Machine, uma banda que faz sarcásticos covers de músicas do Pop, Metal, Hip-Hop, Rap e Punk de forma única. Ao melhor estilo Frank Sinatra e Tony Benett de ser a banda faz swingues.

Aquilo que faz do seu som algo hilário é a mistura do estilo crooner de cantar junto às lindas versões executadas por uma banda excelente entoando versos como "believe me / that shit was tight". Quanto à banda, Richard Cheese nos vocais, Bobby Ricotta no piano e teclado, Frank Feta na bateria e percussão e no baixo Billy Bleu faz um certo revezamento entre este, "Deep" Gordon Brie, Skip Neufchatal, Nacho and Waine String. O único membro fixo da banda é, de fato, o próprio Richard Cheese, mas o grupo já toco com diversos artistas, entre eles o irreverente Weird Al Iankovic.

O que trago hoje é o primeiro disco do artista, intitulado com o nome da banda, traz versões de artistas como Papa Roach, U2, Nirvana, Red Hot Chilli Peppers e vários outros.

Aproveite, acho que é simplesmente algo diferente, quando um músico diz ao abrir uma música "here's one for the ladies.." e canta Rape Me, porém vai além da simples irreverência, fica a dica.

Faixas:

"Nookie" / "Break Stuff" (Limp Bizkit) 2:35
"Guerilla Radio" (Rage Against The Machine) 2:15
"Come Out And Play" (The Offspring) 2:43
"Closer" (Nine Inch Nails) 2:21
"Wrong Way" (Sublime) 2:15
"Bullet The Blue Sky" (U2) 2:55
"Creep" (Radiohead) 2:56
"Last Resort" (Papa Roach) 1:40
"Rape Me" (Nirvana) 1:55
"What's My Age Again?" (Blink - 182) 1:23
"Smack My Bitch Up" (The Prodigy) 1:55
"Fight For Your Right" (Beastie Boys) 1:55
"Only Happy When It Rains" (Garbage) 2:03
"Suck My Kiss" (Red Hot Chilli Peppers) 0:56
"Holiday in Cambodia" (Dead Kennedys) 1:43
"The Rockafeller Skank" (Fatboy Slim) 2:05

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The Neville Brothers - Yellow Moon (1989)

2010-08-06T17:42:00.003-03:00

Talvez a Louisiana fique para sempre na mente dos mais leigos como um estado americano cheio de caipiras sem graça. Muito se enganam, pois sua maior cidade não só é povoada de um povo simpaticíssimo como também é a grande capital do R&B, do Soul e do Jazz. Embora não tenham atingido grande projeção fora do meio americano, os Funky Brothers de Nova Orleans (alcunha dada para os Neville Brothers) sempre foram um grupo influente e competente no que faziam.
Com 12 anos de estrada musical nas costas, a família lança o que veio a ser seu melhor e mais famoso álbum: Yellow Moon. À beira dos anos noventa, o Blues e o Soul são sentidos na pele pelo ouvinte da obra. A mistura de ritmos é agradável e emocionante. Trata-se de uma experiência única.
O disco abre com uma batucada tribal em homenagem aos irmãos sofredores da África e do Haiti, "My Blood". Não creio que eu tenha palavras melhores pra descrever esta peça senão "lamento tocante para Jah". Em seguida, a faixa título (e talvez a melhor do álbum), "Yellow Moon". Aqui, o sax soprano ganha um destaque especial logo na introdução, dando um clima meio oriental à canção. Imagino que mereçam destaque também "Sister Rosas" - tentativa arriscada e bem sucedida de produção de um rap facilmente digestível -, "With God On Our Side", "Ballad of Hollis Brown" - ambas versões competentes das originais de Dylan, com muito mais sentimento na voz, evidentemente - e "Voodo", peça que retoma o caráter tribal oculto do soul já citado anteriormente.
Ops, quase me esqueço de falar de "A Change Is Gonna Come", belo R&B escrito por Sam Cooke, num ritmo lento, perfeito para amantes e a finalíssima "Wild Injuns", funkzeira no melhor estilo James Brown. Sinceramente, se eu tivesse que definir o bom Soul em três palavras, estas seriam "The Neville Brothers".
E eu tiro meu chapéu pra quem não gostar disso.

1. My Blood
2.Yellow Moon
3. Fire And Brimston
4. A Change Is Gonna Come
5. Sister Rosas
6. With God On Our Side
7. Wake Up
8. Voodoo
9. The Ballad Of Hollis Brown
10. Will The Circle Be Unbroken
11. Healing Chant
12. Wild Injuns

Link nos comentários, bicho!

Mystic Minds - Mind Over Matter (1975)

2010-08-04T19:20:00.003-03:00

Trio californiano de veteranos da Guerra da Coréia, o Mystic Minds gravou apenas este álbum, que, em função da pequena prensagem que teve, logo caiu no esquecimento e tornou-se raridade. Produção independente, "Mind Over Matter" é um legítimo disco de garagem, que combina elementos da psicodelia com o funk. Seria, porém, só mais um entre muitos de seu gênero se não fosse um inusitado elemento-surpresa: o Brass Orchestra Cabinet, complexo instrumento musical criado pelos próprios membros da banda.

Apresentada na faixa inicial, "It's Real", como um piano de 'crazy horn sound', a bizarra geringonça que os caras desenvolveram nada mais é do que uma espécie de órgão acoplado de uma série de cornetas e trompetes no lugar de tubos. O resultado é um instrumento com essa (ou essa) cara e um timbre similar ao de uma buzina. Interessante, no mínimo.

Após as devidas introduções na canção de abertura, o grupo continua o disco com músicas de aspecto parecido: guitarras, brass orchestra cabinet, órgão hammond, num clima bem funky e com qualquer coisa de "Green Onions" do Booker T. & MG's. A única que se diferencia é a faixa "Fungus Among Us", que tem um pé mais fundo no Soul.

Ah sim, só mais um detalhe: pode ser que você encontre este álbum por aí creditado não ao Mystic Minds, mas ao Mysterious Minds. Não se preocupe, é a mesma banda. Como os dois nomes constam na capa do LP original, ambos são válido. Adotamos o primeiro pela maior uso. Bom, basta de falatório da minha parte. Fiquem com o disco.

Faixas:

1. It's Real

2. Welfare to Unemployment

3. Funky Business Games

4. Clean Up Your Act

5. Power Of The Mind

6. Fungus Among Us

7. Can You Hear Me

Link para download nos comentários, minha gente.

The Meters - Look-Ka Py Py (1970)

2010-08-03T20:05:00.004-03:00

Sem palavras.

Eu já disse no post do Osmium que na década de 70 cresceu muito nos EUA o estilo musical Funk.

Em 1965, em Nova Orleans (Louisiana) o tecladista, vocalista e frontman Art Neville, depois de tentar carreira solo como pianista, formou o grupo The Meters. Juntou-se ao guitarrista Leo Nocentelli, ao baixista George Porter Jr. e ao baterista Joseph "Zigaboo" Modeliste e temos uma das mais influentes bandas de funk de todos os tempos.

Após a banda formada tornaram-se banda de estúdio de Allen Toussaint, proprietário da gravadora (que tem vários nomes, mas aqui vamos com) Sansu Enterprises e quem viria a produzir discos tanto do The Meters quanto do Dr. John.

Então lançaram seu primeiro disco, intitulado The Meters, apenas em 1969, no disco dois clássicos da banda, "Cissy Strut" e "Sophisticated Cissy". O disco inaugural da banda traz aquilo que o Funk tem de melhor, ilnhas de guitarra simples, cheias de groove, bateria e baixo pegados, ritimados e com muito feeling, mas o que o Meters traz de melhor é o órgão, senhoras e senhores, é um dos melhores trabalhos em cima do instrumento que eu já tive a oportunidade de escutar. As notas de Art Neville borbulham e fazem a cabeça pirar.

Em 1970 lançam um dos melhores discos de Funk, na minha opinião é claro, o Look-Ka Py Py. Funk delicioso. Uma sonzeira incrível, basicamente sem vocais, igual ao primeiro disco, o Meters traz aquilo a que se propôs e faz melhor que a maioria. Extremamente acima da média são "Look-Ka Py Py", faixa título do disco, considerada um clássico do funk, "Yeah, You're Right" também é sensacional, mas eu não consiguiria parar nas acima da média, já que todas meio que são.

Funkeadíssimo o som dessa banda que já acompanhou nomes como Dr. John e Paul McCartney e abriram shows nas Turnês dos Stones em '76, na Tour of The Americas e Tour of Europe.

Genial.

Faixas:

"Look-Ka Py Py" 3:18
"Rigor Mortis" 2:36
"Pungee" 3:00
"Thinking" 1:41
"This Is My Last Affair" 2:54
"Funky Miracle" 2:28
"Yeah You're Right" 2:45
"Little Old Money Maker" 2:41
"Oh Calcutta!" 2:44
"The Mob" 2:49
"9 'Til 5" 2:45
"Dry Spell" 2:29
"Grass" 2:41
"Borro" 2:10

Funkeira de primeira bem commentada.

[Sublime Frequencies 031] Omar Souleyman - Highway to Hassake: Folk And Pop Sounds Of Syria (1994-2006)

2010-08-01T19:10:00.002-03:00

Praticamente desconhecido no ocidente, Omar Souleyman é sucesso absoluto na Síria e arredores. Fazendo o som que alguns chamam de "syrian techno" (ou "jihadi techno"), síntese entre o pop e a música folclórica de seu país, o cantor iniciou sua carreira em 1994 e já dois anos depois conseguiu seu primeiro hit, a canção "Jani". De lá pra cá, lançou mais de quinhentas álbuns em cassete com suas músicas, tanto de gravações em estúdios quanto ao vivo.

Acompanhado até hoje pelos mesmos artistas que o seguiam há 15 anos atrás, Omar conta em sua banda com versões amplificadas de instrumentos tradicionais como o Úd (pai oriental do Alaúde europeu) e o Saz (instrumento de cordas também conhecido como Baglama), além de tipos árabes de teclado e percussão. Há também o poeta Mahamoud Harbi, que, segundo a lenda, nos shows, põe-se fumando ombro-a-ombro com Souleyman e, de vez em vez, recita-lhe novos versos no ouvido. O cantor, no calor do momento, inclui os versos na música, empolgando a platéia que dança o Dabke (tipo de dança do oriente médio cuja a tradução quer dizer, literalmente, "bater os pés no chão").

Enfim, acontece que Omar só veio ganhar projeção no ocidente a partir de 2006, quando a gravadora americana Sublime Frequencies (já apresentei-a em outros posts) organizou este primeiro disco, "Highway to Hassake", compilação de seus principais sucessos. Nos anos seguintes, vieram mais dois álbuns, "Dabke 2020" e "Jazeera Nights" e agora, em 2010, o cantor está em turnê pela Europa.

Aos interessados, aqui está, então, a estrada para Hassake. Trata-se de um caminho que pode ser duro para os nossos ouvidos ocidentais, principalmente em músicas muito agitadas e poluídas como "Leh Jani" e "Dabke 2001". Mas outras faixas mais calmas e dramáticas, como "Atabat" e "Jalsat Atabat" podem ser digeridas mais facilmente. De qualquer forma, é um som bem exótico. É ouvir pra saber.

Faixas:

1. Leh Jani

2. Jani

3. Dabke 2001

4. Atabat

5. Arabic Dabke

6. Alkhatiba Zaffouha

7. Jalsat Atabat

8. Alshikhani

9. Toul Al Zeenah

10. Bashar Ya Habib Al Shaab

11. Don't Wear Black, Green Suits You Better

12. Atabat (2)

13. Jani (2)

Link para o download nos comentários.

Luiz Gonzaga - Canta Seus Sucessos Com Zé Dantas (1959)

2010-08-01T13:08:00.004-03:00

Som de cabra macho.

Na minha terra, Pernambuco (sério), em Exu, nasceu um sanfoneiro arretado em 1912 no dia 13 de dezembro, filho de Januário dos Santos e Ana Batista de Jesus, seu nome é Luiz Gonzaga. Só, nada de Januário dos Santos, como seus oito irmãos. Foi com seu pai, que consertava e tocava acordeão que Gonzaga aprendeu a tocar o instrumento. Antes mesmo da adolescência já acompanhava seu pai em bailes, forrós e festas. Aos 18 anos entrou no exército e viajou pelo país, em Minas Gerais conheceu Domingos Ambrósio, conhecido tocador de acordeão que lhe ensinou sobre música.

Em 1939 decidiu sair do exército e se dedicar à música. Tentou a princípio ganhar a vida tocando sambas, choros, fox e algumas músicas estrangeiras que nunca deram a ele sucesso. Até que no programa de Ary Barroso tocou "Vira e Mexe", depois do contrato com a rádio nacional também veio a idéia de torná-lo o personagem que toca vestindo roupas regionais, no caso dele roupa do vaqueiro.

Nesse tempo aí grandes parcerias como o compositor Humberto Teixeira, com o qual escreveu "Asa Branca". Mas essa parceria fica para outro dia. Hoje é o cd de músicas compostas com Zé Dantas entre elas "Xote das Meninas", "Vem Morena" e uma que me agrada peculiarmente que é "O Forró de Mané Vito".

Junto a Zé Dantas o Gonzagão tornou o baião um estilo musical de sucesso no Brasil. Belo trabalho, influenciado Gilberto Gil, Tom Zé, Dominguinhos e infinitos outros que prezem pela boa música brasileira.

Fica a dica.

"Sabiá" 2:29
"O Xote Das Meninas" 2:54
"Vem Morena" 3:20
"A Volta da Asa Branca" 2:47
"A Letra I" 2:26
"O Forró de Mané Vito" 2:15
"A Dança da Moda" 3:07
"Riacho do Navio" 2:39
"Vozes da Seca" 2:43
"Cintura Fina" 2:34
"Algodão" 2:40
"Paulo Afonso' 2:46

Fica a dica nos Comments

John Cage - American Sonatas and Interludes for a Prepared Piano (1946-48)

2010-07-30T14:45:00.005-03:00

Prepare seu ouvido, amigo, que esse é difícil.
John Cage nasceu no começo do século passado, e calhou de morrer no final dele, com seus 80 anos. Seu pai era um inventor em Los Angeles, coisa que pesou em sua formação, como veremos. Quanto a sua mãe, jornalista, Cage dizia que ela era uma infeliz pessoa com senso de sociedade. Cage chegou até a escrever duas peças referidas a seus pais, nas quais trabalhou com um contraponto melódico descrevendo em “Crete”, e desenvolveu um tema mais vivo em “Dad”.
John começou a estudar piano no seu ensino primário, na sua quarta série. Foi sempre único, e sua música desenvolvia-se como nunca havia acontecido. Sempre um garoto de muita opinião, Cage veio a ingressar em uma universidade no início dos anos trinta, após viajar pela Europa. Nessa época, Cage foi ser discípulo de Arnold Schönberg, que pra quem não sabe, foi o ilustre austríaco “inventor” da técnica dos doze tons, a dodecafonia. Mas Arnold não ensinava a seus alunos o dodecafonismo, e Cage correu sua estrada própria.
Schönberg e Cage foram professor e aluno por dois anos, quando Cage se desvencilhou de seu mestre por uma “incompatibilidade ideológica”. Nessa época, John já estava desenvolvendo outras vertentes artísticas além da musical, como sua escrita e pintura.
No final da década de trinta, John começou a desenvolver uma face de sua música que muito foi renomada: sua relação com a dança moderna. Simpático com o movimento avant-garde, e conheceu grandes nomes na arte ocidental, como Max Ernst ou André Breton.
Nas décadas seguintes, John aderiu à cultura oriental, que muito o influenciou, inclusive, na obra “Sonatas e Interludes”, aqui presente. Esta e outras obras, como “4:33”, foram muito bem aceitas pelo público da época, e veio a fama nos anos sessenta. Cage aprimorou sua técnica em alguns aspectos nos anos consecutivos, abordando novos horizontes, até morrer nos anos noventa.
Bom, vamos falar de música, pois foi por causa dela que John Cage foi John Cage.
Cabe dizer que ele foi um inventor musical com diferentes personalidades. Certo momento optou pela música do acaso (depois chamada de música aleatória), que deixava fluir os momentos em um grande happening. Em outros momentos, optou pela composição matemática, pela contagem excessiva, e pelos padrões estudados, mas criativos.
O legado de Cage, entretanto, não está nessa forma de composição, mas usufrui dela. O que John fez foi uma revolução conceitual para a música. Transformou tudo que é sonoro em música, julgou todos ruídos como apropriados, e marcou ampliando os horizontes dos seus contemporâneos. Contudo, não pelo ruído que Cage é lembrado: é pelo silêncio. Cage, portanto, transformou tudo em música, até a ausência de sons. E esse foi, muito provavelmente, o conceito mais amplo de música já proposto. Bom. Não faltavam possibilidades para John Cage. Sua pesquisa foi extensa: ora ritmo, ora melodia.
Quanto á melodia, seu estudo do contraponto foi muito primoroso, e teve influencia do atonal passado de Schönberg além da vasta possibilidade que a quebra com a ortodoxia dos instrumentos melódicos lhe deu.
Já na parte rítmica, quando não foi tratada com o acaso, foi tratada numericamente. Em “Imaginary Landscape No. 1”, John decompôs a música em seções, os quais abordou com uma matemática estudada e contruida, sempre prezando pelo silencio. Essa estrutura rítmica de compassos contados e mudanças foram usadas também em “First Construction (in Metal)”, mas John ousou complicar ainda mais a estrutura, decompondo o número de bars em frações (mas mantendo a porporção inventada), fracionando, também, seu som. O resultado dessa experiência foi “Sonatas and Interludes”.
Nessa obra, Cage usou uma de suas invenções musicais mais renomadas: o piano preparado. Ele é, basicamente, um piano comum com objetos posicionados sobre ou entre as cordas. Pode ser difícil visualizar o instrumento, mas o que importa é o som, que é único.
É incrível como John Cage conseguiu trazer a amplitude do campo ideológico para suas composições, “físicas”. A expressão é diversa: ora encontramos sonatas com ar mais escuro (Sonata V), ora encontramos interlúdios com melancolia menor predominante (“Fourth Interlude”). Queria dar destaque a “Sonata XII”, que conseguiu alcançar primazia da fossa em ritmoe melancolia, tendo até momentos que lembram até a música minimalista (2:02-2:19 e 3:01-3:15). Para ilustrar o fracionamento da estrutura e da proporção de Cage, sugiro a Sonata V e a Sonata III.
Observando a carreira de Cage, é raro encontrar suas obrar interpretadas por ele próprio, e a lista de músicos que o acompanhou é tão enorme que não ouso nem estimar um número. O mesmo ocorre com “Sonatas e Interludes for a Prepared Piano”, que já encontrei, só aqui na Internet, 5 diferentes intérpretes em menos de um minuto. O escolhido para esse post foi Boris Berman, russo pioneiro que levou a música não ortodoxa para a Europa Oriental, tocando Stockhausen e Schönberg na Rússia.
Escute, por favor!

Faixas:

Sonata I
Sonata II
Sonata III
Sonata IV
First Interlude
Sonata V
Sonata VI
Sonata VII
Sonata VIII
Second Interlude
Third Interlude
Sonata IX
Sonata X
Sonata XI
Sonata XII
Fourth Interlude
Sonata XIII
Sonata XIV and XV, 'Gemini' (after the work by Richard Lippold)
Sonata XVI

Lincage nos comentários.

Jefferson Airplane - Takes Off (1966)

2010-07-30T00:38:00.007-03:00

Rock'n'Roll psicodelíssimo direto na medula.

Antes de falar do Airplane temos que falar sobre o The Matrix. Nada de filmezinho com o Keanu Reeves, mas um clube em São Francisco fundado e aberto por Marty Balin. Esse tal Marty era um cantor que gravou algumas coisas "meio que sem sucesso nenhum assim", em 1962. Bom, voltando ao Matrix, nesse barzinho tocaram algumas consagradas bandas como The Doors, Big Brother & The Holding Co., Grateful Dead (que merecia um post belo post), John Lee Hooker, e a lista não para aí, só que em especial é preciso dizer que a The Great Society também tocou por lá.

Bom, nosso amigo Marty Balin conheceu Paul Kantner (guitarrista) num outro bar na cidade, Kantner fazia shows no circuito folk com Jerry Garcia (futuro Grateful Dead que tocou no disco Surrealistic Pillow) Janis Joplin e David Crosby, muito influenciados por The Weavers e The Kingston Trio. Marty Balin também teria conhecido, em 1964, em Los Angeles, o baixista David Freiberg quem se tornaria outro vocalista do Airplane.

Então Kantner e Balin viriam com a idéia de uma cantora, uma voz feminina para o grupo, eis que surge Signe Toly Anderson, que cantaria com o grupo por um ano até cair fora depois de ter seu primeiro filho (certo dia no Matrix foi tocar a Great Society e de lá eles tiraram a Grace Slick, mas isso é um tempo depois do disco em questão).

Em seguida Balin convida o amigo Jorma Kaurkonen, guitarrista de blues que conhecera na faculdade. O baterista Jerry Peloquin e o baixista Bob Harvey completam o grupo.

Ufa, ficou confuso o lance dos membros, certo? Acontece, que a confusão é grandinha. Em 1966 o grupo lança o disco Jefferson Airplane Takes Off e quem tocou no disco? Paul Kantner e Marty Balin nas guitarras e vocais, Jorma Kaurkonen na guitarra, Signe Toly Anderson nos vocais e percussão, Jack Casady no baixo e Skip Spencer na bateria (viu que já trocou a cozinha?). O disco de estréia do primeiro grupo e São Francisco a ter sucesso nacional. Isso é o Takes Off. Graças a esse disco, e alguma pressão de empresários, claro, o Airplane conseguiu marcar presença no Monterrey Jazz Festival, onde também tocaram Big Mama Thorton, Muddy Waters, David Brubeck Quartet entre outros.

E é isso aí.

Faixas

"Blues From An Airplane" 2:14
"Let Me In" 3:00
"Bringing Me Down" 2:25
"It's No Secret" 2:40
"Tobacco Road" 3:31
"Runnin' Round The World" 2:40
"Come Up The Years" 2:34
"Run Around" 2:40
"Let's Get Together" 3:36
"Don't Slip Away" 2:35
"Chauffeur Blues" 2:29
"And I Like It" 3:26

Fica a dica nos comments

Jamelão - Interpreta Lupicínio Rodrigues (1972)

2010-07-28T15:39:00.005-03:00

Na resenha que escreveu deste álbum, o crítico musical Tárik de Souza apontou que sua grandeza vem do "encontro de três instituições da MPB atemporal". A primeira é Lupicínio Rodrigues, genial compositor gaúcho que flertava com o brega e ficou eternizado por seus samba-canções sobre dor-de-cotovelo (termo cunhado por ele, aliás). A segunda, Jamelão, intérprete que foi voz principal dos sambas-enredo Escola da Mangueira de 1952 até 2006, ano de sua morte. E, por fim, a terceira é a Orquestra Tabajara, famosa e tradicional big-band de João Pessoa, liderada por Severino Araújo.

O resultado da fusão dessas três intituições é este disco, uma obra prima da música brasileira. Jamelão, com um vocal à lá era do rádio, canta cheio de paixão e angústia a dor de corno, dando vida às letras de Lupicínio Rodrigues, tudo isso acompanhado pelos brilhantes tabajaras.

Carregadas de emoções, canções como "Cigano", "Meu Pecado" e "Nervos de Aço" trazem viva a dor e a culpa da traição e do remorso. Remorso, aliás, pode ser visto cara-a-cara na belíssima "Ela Disse-me Assim". Outras faixas, como "Exemplo" e "Amigo Ciúme" revelam até certo prazer de Lupicínio por trás da dor do amor. E vale ainda mencionar mais algumas interpretações memoráveis de Jamelão, como "Torre de Babel" e "Vingança". Esta última, que encerra o disco com chave de ouro, Rodrigues escreveu após surpreender a mulher aos braços de um colega numa ocasião em que o músico retornou mais cedo de uma viagem. Algumas semanas depois, amigos do compositor de fato encontraram a moça bebendo e chorando na mesa de um bar, na mesma cena descrita pelos versos da canção.

Bom, é isso aí. Eis aqui o disco. Escute-o e conheça um pouco da tortura do remorso e da dor da traição desta grande obra.

Faixas:

1. Meu Pecado

2. Homenagem

3. Sozinha

4. Um Favor

5. Exemplo

6. Quem Há de Dizer

7. Cigano

8. Amigo Ciúme

9. Torre de Babel

10. Ela Disse-me Assim

11. Vingança

Link para download do disco nos comentários. Bom proveito.

Jackson do Pandeiro - Sua Majestade, O Rei do Ritmo (1960)

2010-07-28T15:36:00.000-03:00

Jackson (apelido do paraibano José Gomes Filho) fez fama tocando seu pandeiro nos anos 50. Tendo impressionante versatilidade no ritmo, o músico ganhou destaque nas rádios locais e logo sua fama chegou ao Rio de Janeiro, cidade que já vinha tendo seus primeiros contatos com a música nordestina desde a explosão do baião pela voz de Luiz Gonzagão. O talento do forrózista de nome artístico americano era tamanho que este é lembrado até hoje pelo merecido título de "rei do ritmo".

Eis aqui, então, o álbum da coroação de sua majestade. Lançado no início dos anos 60, quando Jackson já havia se consagrado, o disco reúne os principais sucessos do artista na década anterior. Traz grandes músicas, desde o clássico "Canto da Ema", ao brilhante côco "Sebastiana", que marcou a estréia do cantor em 1953. Há também faixas extremamente bem-humoradas, como a sambística "Falsa Patroa", a sacana "Cremilda" e o engraçadíssimo "Xote de Copacabana", além dos divertidos rojões "Cabo Tenório" e "Forró em Caruaru".

Enfim, trata-se de um grande disco, no qual fica evidente o motivo de Jackson do Pandeiro merecer o nobre nome de rei do ritmo.

Faixas:

1. Forró em Caruaru

2. Cabo Tenório

3. O Canto da Ema

4. Sebastiana

5. Cremilda

6. Côco de Improviso

7. Xote de Copacabana

8. A Mulher do Aníbal

9. 1 x 1

10. Côco Social

11. Falsa Patroa

12. O Crime Não Compensa

Link pro download nos comentários, minha gente.

The Rolling Stones - Beggar's Banquet (1968)

2010-07-28T14:49:00.006-03:00

Rock'n'Roll.

Rapaz, passei um tempo sem dar update aqui.

Bom, os Stones.

Em abril de 1962, o brilhante guitarrista, multiinstrumentista e virtuoso Brian Jones, o breve (tornaria-se pianista apenas nos álbuns e produtor de turnê da banda) pianista Ian Stewart, o performático vocalista Mick Jagger e o legendário guitarrista Keith Richards formaram uma banda única. Com o apoio de Charlie Watts na bateria e Bill Wyman no baixo. São até hoje uma das maiores bandas do gênero, conhecidas também por uma suposta rivalidade com os Beatles. Apesar de nunca terem tido a mesma capacidade de produção de altíssima qualidade, como o grupo de Liverpool, são extremamente conhecidos por pérolas do Rock'n'Roll como "(I Can't Get No) Satisfaction", "You Got Me Rockin'" entre outras.

Lançaram em 1964 um LP recheado de covers de bluesmans americanos, entre eles Willie Dixon, Chuck Berry e Bobby Troup e apenas uma única música própria, "Tell Me". Praticamente o mesmo LP seria lançado nos EUA para divulgação da banda com o pretensioso (e premonitório) nome England's Newest Hit Makers. Em 1965 outro disco de Covers, com uma ou outra música própria. Foi também nesse mesmo ano lançaram um dos maiores hinos do rock'n'roll, o single "(I Can't Get No) Satisfaction".

Em 1966 lançam o Aftermath, primeiro disco apenas com músicas próprias da dupla Jagger e Richards. Em 1967 sai outro cd incrível, Their Satanic Majesties Request.

E em 1968 lançam, o que é na minha opinião, o melhor disco da banda, Beggar's Banquet. Um disco do retorno ao Rock'n'Roll mais puro, depois das alucinações da psicodelia do Their Satanic Majesties Request. O disco marca o final das participações efetivas de Brian Jones nas gravações da banda. O Guitarrista viria a falecer em 1969 afogado na própria piscina (causa legal) porém foi constatado que havia feito uso abusivo de drogas, juntou-se então ao famoso grupo de músicos que morreram aos 27 anos.

Ainda acerca do Beggar's, um disco único, com grandes músicas, tais quais "Simpathy for The Devil", "Stray Cat Blues" (na minha opinião uma das melhores do grupo). Traz ainda "Jig-Saw Puzzle" e "Street Fighting Man" além do cover Prodigal Son, música de Robert Wilkins.

Um disco com uma pegada meio Country por vezes, como em "Dear Doctor", como a pegada Bob Dylan em "Parachute Woman" e por aí vai, na última fica a dica para a gaita de Brian Jones.

Enfim, um disco preciosíssimo.

Faixas:

Todas de autoria de Mick Jagger e Keith Richards, menos quando citado.

"Sympathy for The Devil" 6:27
"No Expectations" 4:02
"Dear Doctor" 3:27
"Parachute Woman" 2:24
"Jig-Saw Puzzle" 6:17
"Street Fighting Man" 3:18
"Prodigal Son" (Robert Wilkins) 2:55
"Stray Cat Blues" 4:41
"Factory Girl" 2:12
"Salt of The Earth" 4:51.

Fica a dica (download) nos comments

Sly And The Family Stone - Fresh (1973)

2010-07-22T13:38:00.004-03:00

Funky funky funky!

Na humilde opinião de quem lhes fala, foi formada em 1966 a melhor banda de funk da história da música: Sly & The Family Stone.

Numa união de bandas de irmãos (Sly & The Stoners e Freddie & The Stone Souls) o multiinstrumentista, arranjador, letrista, pai do funk, etc e tal Sly Stone e seu irmão Freddie, guitarrista e vocalista, junto com a trompetista Cynthia Robinson, o baterista Gregg Errico, o saxofonista Jerry Martini e o incrível baixista Larry Graham formaram tal banda. Um ano depois junta-se a eles a irmã Rose Stone, pianista e vocalista.

De 1966 até 1969 lançaram alguns dos melhores discos do gênero, entre eles Stand! de 1969, disco que garantiu ao grupo presença no lendário festival de Wodostock, onde também tocaram músicos como Jimi Hendrix, Janis Joplin e o Grateful Dead, e o Dance To The Music de 1968.

Porém foi em 1969 que o grupo sofreu com uma recaída pesada após uma discussão entre Sly Stone e Larry Graham e um abuso de drogas, especialmente cocaína e PCP, uma espécie de analgésico.

Em 1971 lançam o disco There's A Riot Going On que marca uma virada na sonoridade do grupo. Há uma fuga do Rock'n'Roll, da alegra sonoridade de músicas como "Higher" do disco Dance to The Music (1968) e agora o som é mais pesado e mais funkeado, provavelmento por influências dos grupos que começavam a pipocar no gênero, em especial o P-Funk.

Em 1973 é lançado o disco Fresh, um outro marco na banda que começa a apresentar linhas mais complexas e uma sonoridade mais intensa em comparação ao que já haviam feito.

Fresh é um disco brilhante, que traz em algumas faixas um pouco da sonoridade de Fela Kuti, em especial algumas linhas de percussão, sobra ainda o funkeado baixo e bateria, as linhas de metais estão cada vez mais criativas, ágeis e integradas às músicas e por fim, porém incrivelmente essencial os vocais começam a explodir como uma nova personalidade da banda, novos arranjos dos vocais que provam que Sly & The Family Stone é talvez a maior banda de funk de todos os tempos.

Fica a dica, Sly & The Family Stone - Fresh (1973) um disco que é um ponto de mudança na sonoridade da banda, pra melho ou pior não importa, mas é um grande disco, está entre os favoritos do gênio do funk George Clinton.

Faixas

"In Time" 5:51
"If You Want Me To Stay" 2:59
"Let Me Have it All" 2:57
"Frisky" 3:14
"Thankful N Thoughtful" 4:42
"Skin I'm In" 2:55
"Don't Know (Satisfaction)" 3:55
"Keep On Dancing" 2:55
"Que Sera Sera" 6:44
"If It Were Up to Me" 2:02
"Babies Making Babies" 3:36

fica a dica nos comments.

Wes Montgomery - A Day in The Life (1967)

2010-07-20T19:34:00.005-03:00

John “Wes” Montgomery nasceu em 1928, lá em Indianópolis, Indiana. Tinha irmãos que tocavam jazz (Buddy e Monk), mas só se interessou por música com seus 19 anos. Com essa idade, começou a praticar guitarra, estudando sozinhos, de forma autodidata. Diz a lenda que John ouvia e memorizava solos de Charlie Christian (um dos não muitos guitarristas de renome da dita “era do swing”, de quando o jazz era tocado por big bands como a de Count Basie ou de Benny Goodman, com quem, inclusive, Charlie Christian tocou), que foi uma de suas grandes influências. O dom era tanto que em seis meses John já tocava profissionalmente, quando Lionel Hampton o chamou para fazer um som com sua orquestra.
Uma das influências mais importantes de Wes foi o também guitarrista belga Django Reinhardt, cofundador do Quinttete du Hot Club de France. O som de Wes nasceu, portanto, em algum lugar entre o swing do jazz norte-americano e o tom cigano do jazz europeu quase revival de Django Reinhard. Por ser autodidata, Wes desenvolveu uma nova técnica para a guitarra, trocando, por exemplo, a palheta por seu polegar direito, o que tornou mais único ainda.
Um ano antes de sua morte, Wes lançou o disco cá presente: “A Day in The Life”, que concretizou o seu nome como guitarrista de pop-jazz, por mais que esse termo me soe inapropriado, pois ele não jogou fora o blues, apenas guardou-o no bolso. Bom, a grande novidade é Beatles jazzsificado nas faixas tema e na “Eleonor Rigby”, ambas com arranjo ora orquestrado com direito a violinos e cellos, ora jazz com pianos em síncopes e bongos dando o swing latino. São álbuns como esse que deveriam ser postos no gênero jazz-clássico. O disco também, encontra baladas que lembram o jazz revival com longa orquesta como “When a Man Loves a Woman” e faixas que fora desse disco seriam facilmente classificadas junto com Cal Tjaber ou Dizzy Gillespie, por ser bem latina, como em “Windy” ou “Watch what Happens”, sendo essa quase uma bossa nova.
A fórmula de tocar Beatles em jazz também foi experimentada por George Benson, em “The Other Side of Abbey Road”, tendo este uma grande influência de Wes. Cabe citar uma relação estrondosa entre a forma da capa dos dois discos.
Bom, atualmente ouvimos atualmente grandes figuras como Steve Ray Vaughan, Pat Metheny ou até Jimi Hendrix, mas muitas vezes nos esquecemos do jazz que os influenciou. E esse o elo dessa ligação foi Wes Montgomery.
Aproveite!

Faixas:
1. A Day in the Life
2. Watch What Happens
3. When a Man Loves a Woman
4. California Nights
5. Angel
6. Eleanor Rigby
7. Willow Weep for Me
8. Windy
9. Trust in Me
10. The Joker

linqueno comnetáerio

Gilberto Gil - Gilberto Gil (1968)

2010-07-17T18:13:00.006-03:00

Eu acho que fiquei devendo um aqui.

Gilberto GIl nasceu em 26 de junho de 1942 em Tororó, um bairro de Salvador e cresceu em Ituaçu, uma cidadezícula de menos de mil habitantes. Aos oito anos de idade volta a Salvador, ganha um violão etc e tal, típico progresso de músico brasileiro, influenciado por João Gilberto, na faculdade de administração conhece um grupo peculiar: Caetano Veloso, a irmã de Caetano, Maria Bethânia, Gal Costa e Tom Zé. Formou-se na faculdade em 1965 e se manda para SP com a mulher Belina.

Em 1967 estoura com os Mutantes numa apresentação para o III Festival da Música Popular Brasileira na qual tocaram "Domingo No Parque".

Em 1968 Gilberto Gil lança um dos melhores discos de sua carreira. E ei-lo!

Algo que se aproxima do disco perfeito. Gilberto Gil, acompanhado pelos Mutantes (Serginho Cabeludo Danado) e arranjado pelo maestro Rogério Duprat. Como poderia dar errado? Pois é, não deu. Deu certíssimo e o que temos é um dos maiores discos da música popular brasileira.

Mas hoje sim, julguemos um livro pela capa. Entramos em Sgt. Peppers e em Axis: Bold As Love. Sem medo as capas nos trazem a essa psicodelia do rock'n'roll inglês e americano, que misturadas à tropicália resultam nisso aí. Um disco capaz de definir o tropicalismo do Gil.

Como diz o baterista Dirceu em "Pega a Voga Cabeludo" "o som psicodélico é redondo que só uma gota".

Faixas:

"Frevo Rasgado" 1:54
Coragem Pra Suportar" 2:55
"Domingou" 2:55
Marginália 2" 2:40
"Pega A Voga, Cabeludo" 4:44
"Ele Falava Nisso Todo Dia" 2:33
"Procissão" 2:56
"Luzia Luluza" 4:04
"Pé De Roseira" 3:03
"Domingo no Parque" 3:43
"Barca Grande" 2:42
"A Coisa Mais Linda Que Existe" 3:59
"Questão de Ordem" 5:32
A Luta Contra a Lata ou A Falência do Café" 2:50

Dita a tradição do link no comment

Sá, Rodrix e Guarabyra - Terra (1973)

2010-07-16T16:21:00.003-03:00

Ié ié ié, sinhô!

Vou me arriscar aqui hoje sem muita propriedade para falar de algo que gosto, mas não entendo muito.

Em 1971 formou-se o grupo em questão integrando três músicos. Luiz Carlos Sá teve seu primeiro sucesso gravado em 1966 por Peri Ribeiro "Giramundo". Guttemberg Guarabyra obteve sucesso quando em 1967 o grupo Manifesto ficou em primeiro lugar no Festival Internacional da Canção com a música Margarida. Zé Rodrix tocava na banda Som Imaginário que acompanhava Milton Nascimento.

O grupo tem mais destaque por ter criado o que se chama de Rock Rural. O mesmo acaba fazendo uma mescla de Country e Folk americano com o Rock'n'Roll e canta sobre idéias do campo em versões urbanas.

Uma vez juntos lançaram dois LP's, Passado Presente e Futuro, de 1972 e Terra de 1973. Esse segundo eu trago aqui.

Um disco brilhante, de música típicamente brasileira, tirando dali e de acolá para fazer algo novo e único. Cantado de forma caipira, o disco traz um dos grandes sucessos da banda "Mestre Jonas", roquenrou de primeiríssima. Particularmente tenho grande apreço por "Blue Riviera" e "Pendurado no Vapor", todas as músicas são especialmente muito bem executadas. Os pianos e órgãos de excelentes solos, os vocais muito semelhantes ao estilo Country americano, as guitarras muito boas. "Pó de Estrada" é uma moda de viola acompanhada por flauta e guitarra que precisava aparecer mais na música brasileira.

É um senhor disco, não há nada igual ao que eu deixo aqui hoje.

Merece ser escutado, pra burro.

Faixas:

"Os Anos 60" 1:50
"Eu Vou Te Encontrar" 2:15
"Mestre Jonas" 3:24
"Blue Riviera" 3:15
"Adiante" 2:36
"Pendurado no Vapor" 2:52
"Pó da Estrada" 4:08
"Brilho Das Pedras" 4:14
"Até Ver Mais" 3:14

Link nos Comments

The Bamboos - Step It Up! (2006)

2010-07-14T16:40:00.006-03:00

Yeah Yeah yeah.

Saravá, meus caros e minhas caras.

Me apresentou o The Bamboos uma amiga que tem um gosto musical excelente, mas diferente do meu. Particularmente acho que muita coisa feita hoje em dia é desnecessária e que acaba ficando meio poluído o som cheio de sons e guitarras sem o feeling do funk. Nunca julguemos o livro pela capa. Já me disseram isso e eu por vezes ignoro, mas quando ouvi o som da banda (não esse CD) fiquei logo de queixo caído e convencido pelo que produziu a banda no seu terceiro cd (Side-Stepper (2008).

The Bamboos é uma banda nova (não tão nova), e por isso provavelmente esse post deve sumir daqui em pouquíssimo tempo por causa das gravadoras e tal.

A banda formada em 2000, é um grupo de soul e funk da Austrália. A banda consiste em oito pessoas. Lance Ferguson na guitarra, Danny Farrugia na bateria, Yuri Pavlivnov no baixo, Anton Delecca no sax tenor e flauta, Ross Irwin no trompete, Phyl Noy no sax barítono, Kylie Auldist nos vocais e Steve Hesketh no órgão Hammond. Para esse disco ainda não tinham a companhia da cantora Kylie Auldist e os vocais foram feitos por Alice Russel.

O grupo traz uma sonzeira velha para os dias de hoje, e não faz muita questão de mudar o que já foi feito. Faz tudo daquela brilhante forma na qual foi concebido o funk e o soul, linhas de guitarra simples, bateria bem ritmíca e baixo pegado e o órgão Hammond borbulha sonoridade (solo de "Black Foot" é doidão) e groove numa mistura perfeita contornada por belos arranjos de metais. Funkeira louca. Vale dizer ainda: há algumas jóias tomo "Step It Up", "Tighten It Up" e "Crooked Cop", mas o cd não baixa o nível em momento algum.

Brihante.

Faixas:

"Step It Up (ft. Alice Russel)" 3:39
Tighten It Up (Album Version)" 3:55
"In The Bamboo Grove" 7:59
"Golden Rough" 3:41
"Black Foot" 3:45
"Transcend Me (ft. Alice Russel)" 4:43
"Tobago Strut" 4:25
"Another Day in The Life of Mr. Jones" 3:16
"Crooked Cop" 3:44
"Eel Oil" 3:05
"Voodoo Doll"

el link está en los comments

Mike Hankinson - The Unusual Classical Synthesizer (1972)

2010-07-14T00:46:00.004-03:00

Boa noitardia.
Pesquisei o que pude sobre o seguinte álbum e sobre o artista, mas não consegui nada muito substancioso. Porém, não é só disso que precisamos para fazer essa resenha.
Mike Hankinson, pelo que tudo indica, era inglês, mas viveu na África do Sul. E... é isso.
O disco foi gravado em 1972, e leva consigo o título de “The Unusual Classical Synthesizer”: O álbum é Mike Hankinson com seu sintetizador, o “the Putney” VCS3, como indica a capa.
Sintetizador começou a ser ouvido principalmente no começo do século XX, tendo seu auge a partir dos anos 60, com a intervenção de Leo Theremin e com a aparição do Moog, o mais bam-bam-bam de todos sintetizadores da história. Naquela época, os recursos do sintetizador eram mais limitados, além do porte desses ser uma coisa muito pouco prática, por assim dizer. Esse então novo instrumento foi peça-chave de certas bandas dos anos 60/70, provavelmente porque permitia uma grande liberdade sonora, permitia a criação de um som único a cada instante.
O “the Putney” saiu ao mercado pela primeira vez em 1969, e é, atualmente, o dito sintetizador clássico, original: era monofônico, mas permitia gravações e tinha cerca de trinta canais para a manipulação do som. E, além disso tudo, ainda vinha numa bela caixinha de madeira.
O álbum leva o nome “The Unusual Classical Synthesizer”, e o nome é correto por duas razões. Em primeiro lugar, era difícil encontrar discos de artistas de sintetizador solo naquela época, e, em segundo lugar, era rara a reprodução de música clássica nestes instrumentos. Contudo, o álbum não é inovação, pois hits clássicos já tinham sido gravados por Wendy/Walter Carlos, no LP “Switched on Bach”, que também já foi resenhado aqui no Saqueando a Cidade.
Cabe falar do repertório. O álbum tem, em grande parte, composições do período clássico contando com compositores de grande renome como dois dos pés da trindade vienense: Beethoven e W. A Mozart. Quanto a Beethoven, encontramos uma de suas obras mais famosas fechando o disco: “Sonata para piano n.º 14”, ou “Sonata ao Luar”, que é posta com seus três movimentos onde são explorados tanto recursos rítmicos como a síncope quanto melancolia e drama postos no primeiro e no terceiro (e último) movimento da peça, respectivamente.
Bom, falando em sonatas, esse forma de música é predominante no disco, seja pela “Sonata Rondo” de Clementi, pela “Sonata em Ré maior” de Scarllati, ambos italianinhos fofos que merecem um beijinho na bochecha (não entendeu? Escute as sonatas). Mas o álbum também conta com serenatas, fugas e concertos, não se preocupe.
Tudo é muito bem executado, e dou destaque à apropriação de Beethoven e Bach no sintetizador nas faixas “Sonata ao Luar” e a famosa, a famosíssima “Tocata e Fuga em Ré Menor” de Bach.
Bom, acho que rendeu uma resenha, vai?

Faixas (em inglês):

1 Toccata and Fugue in D minor (Bach)
2 Variations - Mein junges Leben hat ein End (Sweelinck)
3 Sonata in D major (Scarlatti)
4 Sonata Rondo (Clementi)
5 Concerto in A minor (Bach)
6 Eine kleine Nachtmusik (Mozart)
7 Italian Concerto (Bach)
8 Moonlight Sonata (Beethoven)

linknoscomentários

Tim Maia - Tim Maia (1970)

2010-07-12T00:58:00.004-03:00

Ou ié, eu, de novo, tudo jóia com vocês?

Bem. Tim Maia é o cara, e todo mundo sabe disso. O maior vocalista de soul, funk, do brasil e, possívelmente o melhor cantor que já nasceu por essas bandas. Sebastião Rodrigues Maia, nascido dia 28 de setembro de 1942 em Niterói era o penúltimo de 19 (DEZENOVE, não errei nada na digitação) irmãos.

Em 1957 compôs Os Sputniks, grupo vocal do qual também fez parte Roberto Carlos. Em 1959 se mandou para os EUA onde aprendeu inglês e entrou em contato com o soul music, formou outro grupo vocal, The Ideals, mas foi deportado quatro anos depois. Em 1969 gravou junto à Elis Regina "These Are The Songs", de sua autoria.

Em 1970, por indicação dos Mutantes, a Polygram (gravadora citada no blog.. quem diria) chamou Tim Maia para gravar um disco. E ei-lo.

Produzido por Nelson Motta, o disco conta com Tim Maia nos vocais e violão (são dele também os arranjos), Genival Cassiano na guitarra, Guilherme na percussão, Zé Carlos e Capacete no baixo elétrico e Paulinho Braga na bateria.

É um disco essencial da música brasileira, é a primeira criação de Soul no Brasil que teve o merecido destaque na MPB. "Cristina" é um funk com a voz pegada do Síndico, destaque para o brilhante cantar de Tim Maia na música "Padre Cícero". "Coroné Antônio Bento", um baião roquenrou cheio de soul e groove, com o vocal brilhante do Tião de novo.

É nesse bolachão ainda que são lançadas as pérolas "Primavera", "Eu Amo Você" e "Azul da Cor do Mar".

Não preciso falar mais nada. E você, meu caro, precisa ouvir isso.

Faixas:

"Coroné Antônio Bento" 2:16
"Cristina" 2:09
"Jurema" 1:18
"Padre Cícero" 2:25
"Flamengo" 2:06
"Você Fingiu" 4:04
"Eu Amo Você" 4:07
"Primavera (Vai Chuva)" 2:13
"Risos" 2:39
"Azul da Cor do Mar" 3:22
"Cristina No.2" 1:34
"Tributo a Booker Pittman"

Linklá, mermão

Louis Prima - The Wildest! (1957)

2010-07-09T18:44:00.005-03:00

Wuh bee doo bee doo bah!

Nascido nos Estados unidos em 1910 em uma família de músicos descendentes de sicilianos. Nasceu no berço dos maiores músicos do jazz, New Orleans na Louisiana. Trumpetista claramente influenciado por Louis Armstrong de quem também tomou posse da brilhante forma de cantar. Louis Prima cresceu na sua cidade natal tocando Swing e Jazz, mudou-se para Nova Iorque como músico de orquestra de jazz, em seguida mandou-se para Los Angeles. Em 1947 incluiu, pela primeira vez em sua banda, uma cantora, no caso Cathi Ricciardi, que gravou com o nome Cathi Allen, e viria a ser substituída em 1949 por Keely Smith que o acompanha no disco que eu ponho aqui hoje.

Apesar de todo esse processo lançou seu primeiro disco (Breaking It Up!) apenas em 1953, aos 43 anos de idade. Em seguida lançou o brilhante the Wildest! (1957).

Uma combinação de Jazz, jump blues com um teco dos primórdio do Rock'n'Roll. O Wildest! a obra prima do cantor, acompanhado por sua esposa Keely Smith e pelo saxofonista de New Orleans Sam Butera. Foi gravado em alguns shows realizados em Las Vegas. O objetivo da gravadora Capitol era achar a real imagem de Louis Prima, que junto à banda tocava diversos shows por noite até as 6h00 da mahã do dia seguinte.

Música de primeiríssima qualidade, muito bem tocada e engraçada pelas sutilezas do cantor e de sua esposa.

Você também pode escutar o Louis Prima cantar como o King Louie do Moglie (Jungle Book em Inglês), sim o filme da disney.

Faixas:

"Just a Gigolo / I Ain't Got Nobody" 4:45
(Nothing's Too Good) For My Baby" 2:38
"The Lip" 2:18
"Body and Soul" 3:25
"Oh Marie" 2:28
"Basin St. Blues / When It's Sleepy Time Down South" 4:14
"Jump, Jive an' Wail" 3:31
"Buona Sera" 3:00
"Night Train" 2:49
"Ill Be Glad When You're Deade, You Rascal You" 3:16

tá lá nos comments!

Os Mutantes - Compactos e Raridades (1976)

2010-07-08T23:06:00.009-03:00

Ou ié!

Os caras (leia-se: outros blogueiros daqui) vão me matar se eu continuar postando umas coisas assim. Eu juro que paro.

Então. Os Mutantes, de novo, mas é bom, então só ficar pondo aqui é o mínimo que se espera de alguém que... sei lá quem. E retorno ao ponto do meu primeiro parágrafo que diz que eu apenas ponho música que gosto, e não coisa desconhecida e diferente (quanta asneira nessa frase).

Bom, esse disco, essa coletânea, melhor dizendo, é um agregado de músicas do grupo paulista de quem eu já falei bastante no post A Divina Comédia ou Ando Meio Desligado de 21 de abril deste presente ano.

Toda banda tem um começo, certo? bom esse disco é um catadão de coisas do começo, de antes, durante e sei lá, muita sonzeira bacana.

"Tudo Bem" é, na minha infeliz opinião quiçá a melhor música deles. Tem ainda "Mande um Abraço Pra Velha", muita loucura. "Glória ao Rei dos Confins do Além" é a psicodelia pesada da tropicália, sonzeira muito similar à dos Beatles no caso.

"Suicida" e "Apocalipse" são duas músicas do grupo O'Seis, são muito diferentes da produção da banda Os Mutantes, a primeira um roquenrou ao estilo do Rei Roberto Carlos, mas com uma letra irônica e hilária e belos solos do Sérgio Dias. A segunda é uma baladinha, novamente hilária. Brilhantes.

Sobra ainda cinco faixas de um show com o Caetano Veloso. "A Voz do Morto", brilhante, "Baby", especial e "É Prohibido Prohibir" dispensa comentários.

FAIXAS:

01.Cavaleiros Negros
02.Tudo Bem
03.Balada do Amigo
04.Mande um Abraço pra Velha (Versão Longa)
05.Ando Meio Desligado (Outra Versão do LP)
06.Jingle da Shell
07.Ando Meio Desligado/Não Faz Marola (Ao Vivo TV FIC)
08.Ando Meio Desligado (Versão Single)
09.Banho de Lua/2001 (Ao Vivo TV)
10.Glória ao Rei dos Confins do Além
11.Suicida (O'Seis Compacto)
12.Apocalipse (O'Seis Compacto)
13.A Voz do Morto (Ao Vivo com Caetano Veloso)
14.Baby (Ao Vivo com Caetano Veloso)
15.Saudosismo (Ao Vivo com Caetano Veloso)
16.Marcianita (Ao Vivo com Caetano Veloso)
17.É Proibido Proibir (Ao Vivo com Caetano Veloso)

Lá nos comments tem um linkiu

Riz Ortolani - Cannibal Holocaust (1980)

2010-07-08T02:24:00.009-03:00

Lançado em 1980, Cannibal Holocaust (no Brasil, "Holocausto Canibal") fez fama como filme maldito. Contava a história do resgate de um grupo de jovens americanos que desapareceu após adentrar na floresta amazônica a fim de filmar índios canibais (desapareceram ou foram devorados, ó céus?!). Tinha tudo, portanto, para ser um filme de terror de baixo orçamento como qualquer outro... Entretanto, trazia cenas gratuitamente chocantes e violentas, como assassinatos de animais de verdade. A mais emblemática talvez seja uma na qual um ator arranca um casco de uma tartaruga viva a sangue frio, para em seguida matá-la.

Somado a isso, há o fato de que o elenco concordou com o diretor em não aparecer na mídia após o lançamento do longa, de forma a se criar suposições de que estes haviam morrido ou desaparecido durante as filmagens. Veio então outro boato para deixar tudo ainda mais quente: a hipótese de que um índio que aparece empalado em uma cena (cuja imagem está na capa do álbum) estaria realmente morto. Tal coisa levou o diretor italiano Ruggero Deodato aos tribunais, e este teve que fazer o possível para revelar a verdade. Mesmo assim, Holocausto Canibal entrou pra história em função de sua proibição em cerca de 50 países, o que só lhe deu mais status de underground e maldito.

Apresentado o curioso filme e todo mistério que o cerca, falemos agora de um aspecto interessante da obra do ponto de vista artístico: a trilha sonora. Composta por Riz Ortolani, músico que trabalhou para uma série de trilhas de filmes italianos, é bela suave, criando um claro contraste com a extrema violência e escatologia das imagens.

A música tema, com sintetizador e guitarra, é emocionante e até um pouco triste, enquanto faixas como "Massacre of the Troupe" e "Savage Rite" tentam brincar, numa maneira eletrônica, com músicas tribais. Já "Relaxing In The Savana" e "Drinking Coco" não parecem trilha sonora. Pelo contrário, são gostosos rockzinhos instrumentais cheios de swing, à moda da época.

Então aqui está, um disco que não é um grande álbum, mas é sem dúvidas uma das coisas que o filme Holocausto Canibal tem a ofercer de melhor.

Faixas:

1. Cannibal Holocaust (Main Theme)
2. Adulteress' Punishment
3. Cameramen's Recreation
4. Massacre Of The Troupe
5. Love With Fun
6. Crucified Woman
7. Relaxing In The Savana

8. Savage Rite
9. Drinking Coco
10. Cannibal Holocaust (End Titles)

Link para download do disco nos comentários.

Ah, sei que este é um blog de música e tal, mas coloquei também um link pros interessados assistirem o filme (mas olha lá, não recomendo, nem pra quem tem muito estômago).

Jards Macalé - Aprender A Nadar (1974)

2010-07-07T13:28:00.007-03:00

"Meu nome é Jards Anet da vida. Ou melhor, da Selva. Ou pior, da Silva. Ou pior, da Selva. Ou pior, da Silva. Distinto público, vou ficar aqui exposto à audição pública como o Faquir da Dor", anuncia Jards Macalé com sua voz grave, apresentando-se a seu ouvinte no pout-pourri que é a faixa inicial do álbum 'Aprender A Nadar', de 1974. Aqueles que ainda não conheciam o músico já conseguem perceber aí um pouco de seu tom singular e anárquico que, somado à constantes desentendimentos com as grandes gravadoras, lhe renderam (à contragosto) o título de 'maldito'.

Tendo iniciado sua carreira profissional em 1965 no grupo Opinião (ao lado de Maria Bethânia e outros grandes nomes da MPB), Jards ganhou maior projeção após a vaiada apresentação da música "Gotham City" no IV Festival Internacional da Canção, em 1969. Fez parte da Tropicália, mas rompeu com Caetano e Gil por achar que o movimento havia sido engolido pela indústria cultural. Gravou seu primeiro álbum solo em 1972 ("Jards Macalé", já postado aqui no Saqueando) e organizou, no ano seguinte, o memorável (e subversivo) espetáculo "Banquete dos Mendigos".

Eis que fez, em 1974, ao lado do tropicalista Wally Salomão, "Aprender A Nadar", disco cujo título Macalé pegou emprestado do "Mambo da Cantareira", de cômico Gordurinha, compositor de forrós que fez fama no início dos anos 60. Neste álbum, Jards apresenta não só sua interpretação do mambo (melhor que a original, por sinal) como também outra composição gordurinhense: a divertidíssima "Orora Analfabeta", sobre uma bela e nobre dama que comete, porém, erros dramáticos de português.

Entre outros bons momentos, o disco traz "Estatuto da Gafieira", de Billy Blanco, a brilhante "Anjo Exterminado", composição original, e "E Daí...?", de Miguel Gustavo, que ganha arranjo de Wagner Tiso e flerta com outros sambas clássicos, como "Mora na Filosofia", de Monsueto Menezes.

Em outras palavras, o que temos aqui é um grande álbum de um artista injustiçado, taxado de "marginal" e "maldito" por não ter se curvado diante das grandes gravadoras e, ao invés disso, 'aprendido a nadar'. Reza a lenda, aliás, que na ocasião do lançamento, Jards Macalé atirou-se de uma barca da Cantareira nas águas da Baía da Guanabara.

Aprendeu a nadar, pelo que vemos.

Faixas:

1. Jards Anet da Vida / Dois Corações / No Meio do Mato / O Faquir da Dor

2. Rua Real Grandeza

3. Pam Pam Pam

4. Imagens
5. Anjo Exterminado
6. Dona do Castelo

7. Estatuto da Gafieira
8. Mambo da Cantareira
9. E Daí...? (com Mora na Filosofia)
10. Orora Analfabeta

11. Senhor dos Sábados

12. Boneca Semiótica
13. Dois Corações

Link para download nos comentários.

Fela Kuti - Alagbon Close (1974)

2010-07-06T14:40:00.003-03:00

Salve salve camará.

Bom, meus caros, hoje é dia de continuar meu post passado. Lembremos o que foi dito sobre a ascensão do funk na década de 70 e pois bem. A ascensão do gênero chegou à África e caiu no colo do nigeriano, arranjador, multiinstrumentista, compositor, ativista político, etc e tal, Fela Ransome (Anikulapo) Kuti.

Nascido em Abeokuta na Nigéria em 1938 filho de uma ativista feminista e um pastor protestante e diretor de uma escola. Em 1958 Fela foi enviado para Londres a fim de aprender medicina, mas acabou estudando música. Em Londres montou a banda Koola Lobitos, misturando o jazz americano, o rock psicodélico e os sons da África Ocidental, eis o Afrobeat. Em 1969 Fela Kuti levou sua banda para os Estados Unidos. Conheceu o movimento Black Power e os Panteras Negras, a orientação política gerou grandes mudanças nas suas composições e gerou a troca de nome da banda para Nigeria 70' que viria a tornar-se Africa 70'. A banda foi deportada de volta para a Nigéria por não ter licensa de trabalho. Trocou seu nome do meio e tudo isso misturado ao lançamento de EP's e Discos. Viria a falecer em 1997 por complicações de AIDS.

Em 1974 lança vários trabalhos interessantes. Entre eles o EP Alagbon Close. Duas faixas que, na minha humilde opinião exprime bem o que é o Afrobeat e traz as novidades do Funk americano da década de 70. Batuques, saxofone, bateria, piano, guitarra, baixo, tudo brilhante, de um cara que merece a atenção de todos, um toque especial no solo de órgão no final de Alagbon Close.

Abração

Faixas:

"Alagbon Close" (Fela Kuti) 17:01
"I No Get Eye For Back" (Fela Kuti) 11:24

O link fica a disposição dos interessados nos comments.

Parliament - Osmium (1970)

2010-07-03T16:31:00.004-03:00

Get funky babe!

Ah o Funk, o que seria do groove sem ele? O funk é um estilo americano surgido nos anos 60 nos Estado Unidos mesclando o R&B e o Soul com ênfase em fraseados de guitarra pegados (por vezes apenas um acorde) e linhas de baixo fortes, pegada bem motown. No meio da década de 60 o funk era a imagem de James Brown, Sex Machine, Watergate, etc.

Na década de 70 o nome do funk era George Clinton, o cabeça de dois projetos contemporâneos, o Funkadelic e o aqui divulgado hoje, o Parliament. Os dois grupos com membros em comum por vezes são coletivamente chamados de Parliament-Funkadelic ou P-Funk. No meio da década de 70, após disseminação do funk pelo país os retornos são o Sly & The Family Stone, Rufus & Chaka Khan, Isley Brothers, etc.

E é de metade do P-Funk que eu vou falar nesse saque. O Parliament foi a grande banda de Funk da década de 70, encabeçado por George Clinton. George Clinton é o vocalista do Parliament e é considerado um dos pais do Funk juntamente com James Brown e Sly Stone. O Parliament começou de uma brincadeira numa barbearia. E para organizar tudo de vez, Clinton juntou-se a Billy "Bass" Nelson, baixista que trabalhava na barbearia e Eddie Hazel nas guitarras. Para completar a banda o guitarrista Tawl Ross, o organista Mickey Atkins e o baterista Tiki Fulwood. Para acompanhar George Clinton, Fuzzy Haskins, Calvin Simon, Grady Thomas e Ray Davis integraram os vocais do parliament.

Em 1970 essa banda grava um disco chamado Osmium. Funkeira de primeira com fraseados cheios de groove e feeling, bateria pirada e bem tocada, órgão rasgado e lindos vocais marcam um novo cenário musical no primeiro disco do Parliament, apesar de muitos acreditarem que o Up for The Down Stroke o seja.

O grande diferencial do Parliament é que ele traz diversas influências do Funkadelic que o distanciam daquilo que é o funk como definição no primeiro parágrafo desse post. Algumas (grande parte) das músicas apresentam influências pesadas do Rock'n'Roll americano da década de 60, como "Little Ole Country Boy" e "My Automobile". Outras são funk puro como "I Call My Baby Pussycat".

O disco foi lançado por várias gravadoras com diferentes ordens de músicas. Esse que eu ponho à sua disposição é diferente de todas, mas tem todas as músicas e eu sei lá porquê.

Funkeira de primeira geração é isso aí.

Faixas:

"I Call My Baby Pussycat"
"Put Love In Your Life"
"Little Ole Counry Boy"
"Moonshine Heather"
"Oh Lord, Why Lord-Prayer"
"My Automobile"
"Nothing Before Me But Thang"
"Funky Woman"
"Livin' The Life"
"Silent the Boatman"
"Red Hot Mama"
"Breakdown"
"Come In Out of The Rain"
"Fantasy is Reality"
"Unfinished Instrumental"
"Loose Booty"
"Breakdown (Mono 45 Version)"

Walter Carlos - Switched-on Bach (1968)

2010-07-02T21:37:00.004-03:00

Wendy Carlos (antes Walter), foi um músico que já começou cedo: com seis anos de idade, já tomava aulas de piano. Muito estudioso, formou-se na universidade e começou a trabalhar, musicando. O tempo passou, a tecnologia se aprimorou: O sintetizador, que começou a ser esboçado no fim do século XIX por um sujeito que resolveu brincar de telefones e tirar um som deles, se aperfeiçoou.
Walter conseguiu um nome no meio da música, e não somente da eletrônica. Trabalhou fazendo diversas trilhas sonoras, sendo a mais reconhecida dele a de Laranja Mecânica, de Stanley Kubrick, em 1971. Uma explicação/curiosidade: Walter descobriu que era mulher por dentro, e fez uma cirurgia de mudança de sexo, tornando-se Wendy Carlos.
Em 1968, Walter decidiu montar, com um Moog (modelo de sintetizador), diversas obras de Bach. O resultado foi o disco “Switched-On Bach”, onde Walter tocava clássicos de Bach, tal qual “Jesus, Alegria dos Homens”, mas sempre com uma cara tecnológica e atual. O disco ganhou renome na época, e chegou até a ganhar o Grammy de Melhor Álbum Clássico. Há quem diz que o álbum foi influenciado pela era da pisicodelia, mas não cabe comparar.
Para quem não conhece Bach, ele foi um grande compositor alemão do século XVIII-XVIII, que dominava os recursos da fuga, e do contraponto. Fez parte do que chamamos atualmente do movimento barroco, para o qual atribuísse-se os valores de rebuscamento, contraste e cristandade. Foi pouco conhecido enquanto vivo, mas famosíssimo morto. Não que a morte valorize a obra, mas tem certos artistas que se encaixam melhor em tempos que não são deles.
Em “Switched-on Bach”, Carlos executou divinamente (sim, divinamente! Isso é sonzeira barroca!) a essência de Bach, mesmo que a transmutando para a atualidade. O disco é bem fragmentado, e nele tudo que Bach deixou de legado pode ser percebido. Seja pela fuga presente em “Two-part Invention in D Minor” e em “Two-part Invention in F Major”, ou pela cristandade de “Jesus, Alegria dos Homens”.
E é claro que Carlos não transcreveu ipsis litteris as partituras de Bach para seu Moog. Há subversão, inovação, basta escutar dez segundos de “Brandenburg Concerto No. 3 In G Major, II-Adagio [First, 1968 Version]”.
Como o barroco tratava de contrastes, vistos nas artes plásticas com o preto e o branco, nada melhor que tornar o barroco na atualidade um contraste, interpretando e olhando-o através de uma lente tecnológica.
Wendy Carlos é gênio(a).

Faixas:

Lado A

1. "Sinfonia to Cantata No. 29"
2. "Air on a G String" (from Orchestral Suite No. 3)
3. "Two-Part Invention in F Major"
4. "Two-Part Invention in B Flat Major"
5. "Two-Part Invention in D Minor"
6. "Jesu, Joy of Man's Desiring" (from Cantata No. 147)
7. "Prelude and Fugue No. 7 in E Flat Major" (from Well-Tempered Clavier)

Lado B

1. "Prelude and Fugue No. 2 in C Minor" (from Well-Tempered Clavier)
2. "Chorale Prelude" "Wachet Auf"
3. "Brandenburg Concerto No. 3 in G Major - I-Allegro"
4. "Brandenburg Concerto No. 3 in G Major - II-Adagio"
5. "Brandenburg Concerto No. 3 in G Major - III-Allegro"

linke nos coments, comparça!

[Sublime Frequencies 056] Ecstatic Music of the Jemaa El Fna (2010)

2010-07-02T11:20:00.002-03:00

Jemaa El Fna (em português, "Assembleia dos Mortos") é uma grande praça na região fortificada da cidade de Marrakech, em Marrocos. Apesar do nome sombrio que o local carrega, proveniente do fato de que este serviu, há muito, como espaço para execução pública de criminosos, a praça é um dos principais centros culturais do país, onde se encontram contadores de histórias, mágicos, artistas circenses e, é claro, músicos.

O que temos aqui é nada mais nada menos do que uma fabulosa compilação de gravações ao vivo das músicas que podem escutadas com anoitecer na Jemaa El Fna, feitas no ano de 2005. A organização do álbum foi realizada em 2010 pelos caras da Sublime Frequencies, um coletivo de interessados em pesquisar e divulgar as mais diversas formas musicais populares (seja folclórica, seja pop, ou mesmo um misto de ambos) de países subdesenvolvidos, em especial orientais.

"Ecstatic Music of the Jemaa El Fna", seguindo a mesma linha dos outros trabalhos dos caras, reúne alguns dos grupos de artistas de rua que, com seus instrumentos ligados à baterias de carros e megafones, preenchem toda a praça de Marrakech com seu som. Som que é um Chaabi, ritmo popular marroquino, tocado com guitarras elétricas, percussão e instrumentos tradicionais, como o alaúde e o sintir (espécie de baixo quadrado de três cordas), amplificados. Cheias de força, paixão e energia, as canções dos grupos aqui presentes (Amal Saha, Troupe Majidi e Mustapha Mahjoub) contam também com participação da multidão da Jemaa El Fna, que acompanha cantando e batendo palmas.

É um belíssimo disco, que traz envolventes pérolas musicais da cultura marroquina. Para aqueles que estiverem com um pé atrás em ouví-lo, dá pra ter uma prévia com o trailer do filme "Musical Brotherhoods From The Trans-Saharian Highway" (outro projeto da Sublime Frequencies, que, aliás, deu origem a este disco), no Youtube.

Bom, tá aí.

Faixas:

1- Daouini - Amal Saha

2- Essiniya - Troupe Majidi
3- Tal Raibak Arzali - Mustapha Mahjoub
4- Khoudrini - Troupe Majidi
5- Sabra and Shatilla - Amal Saha
6- Khlili - Troupe Majidi
7- Lahmami - Amal Saha
8- Rsami - Troupe Majidi

9- Afriquiya - Troupe Majidi

O link para download encontra-se nos comentários.

Sun Ra - Space is the Place (1972)

2010-07-01T20:26:00.006-03:00

Herman Blount era um menino do Alabama, um ótimo estudante. Quando pequeno, sofreu de uma hérnia testicular, e sentia muita dor e, em conseqüência disso, privava-se de muito convívio social. Desde seus dez anos, quando começou a escrever suas musiquinhas, tinha um dom para as teclas, dominava o piano e o teclado que era inacreditável. Com vinte anos, começou a formar bandinhas por ai enquanto continuava estudando. Blount gostava de fazer arranjos, e era muito criativo, talvez ousado demais para aquela época.
Em 1946, o músico Fletcher Henderson contratou-o para arranjar temas de sua banda. Um ano depois, porém, Herman foi demitido do cargo devido às reclamações dos músicos da banda quanto à dificuldade de tocar os arranjos oriundos da cabeça ultra-inventiva de Blount.
Mais ou menos essa época Herman estudou e discutiu muito egiptologia, cosmologia, ficção científica e afins junto com o produtor Altam Abraham. Juntos decidiram, tempos depois, a formar uma banda que unia jazz, mitologia, orgulho negro, ficção científica e o cosmos. Juntos formularam um plano de fundo que acarretou na reencarnação de Herman Blount em Sun Ra, um viajante vindo de saturno para ajudar os negros maltratados na terra, procurando um novo local para esses em galáxias distantes. O nome Sun Ra é, muito provavelmente, em alusão a Ra, o deus-sol do Egito.
Na metade dos anos 50, Sun Ra começou a fazer aparições com a sua banda, ou melhor, sua Arkestra, como era chamada. Esta sempre carregava conotação espacial (chama-se algo derivado de Solar-Mith ou Mith-Science), assim como todos os álbuns lançados por Ra.
Nessas apresentações, Ra mostrava sua versatilidade usando diversos sintetizadores e órgãos. E esse grupo começou a lançar discos descomunalmente. Eram mais de dois discos por ano aproximadamente.
Em 72, influenciado pela era da psicodelia, Ra e seu grupo montaram um filme, e conjuntamente a esse, um disco, ambos de nome: “Space is the Place”. Esse foi o auge da música de Sun Ra, onde ele passou de estranho para intrigante para muitos. Ele já tinha lançado mais de 40 álbuns até então, mas o filme e o disco marcaram sua trajetória na terra.
O LP contava com 5 faixas, muito diversas umas das outras. Na primeira delas, de nome do disco, Sun Ra fez um complexo arranjo que dispunha um jazz confuso e único que emergia numa liberdade cósmica. O trabalho com o atonal e com o free jazz eram evidentes, embora ocorresse a clara evidência de um arranjo sólido por trás dos vinte minutos aparentemente aleatórios que circundam essa faixa.
Contudo, não é somente na aleatoriedade que Sun Ra se estabelecia. É claro esse recurso em faixas como “Rocket Number Nine” ou “Sea of Sounds”, ambas faixas muito únicas, em especial a segunda, pela disposição de um imenso arsenal de sons inéditos em músicas. Mas na segunda faixa do álbum, “Images”, é posto um jazz com direito a tema no piano e walking bass, além de um naipe de metais bem característico e melancólico.
Terminando, cabe citar a terceira faixa, onde Ra mostra a monotonia e o arrastamento representado pela “Discipline”, pela disciplina. Ele, de certa forma, coloca como é chata mas diversa essa cadeia, um tema muito explorado por ele, ao passo que ele é, de certa forma, uma quebra com o método.
Bom, depois desse disco Sun Ra lançou mais de 30 álbuns, alguns mesmo após sua morte, e mostrou-se o músico mais excêntrico e controverso do mundo do jazz.
E esse disco merece muito mais que uma mera resenha, escute-o.

Faixas:
1- Space is the Place
2- Images
3- Discipline
4- Sea of Sounds
5- Rocket Number Nine

linke espacial nos comentários

Gal Costa - Fa-Tal - Gal a Todo Vapor (1971)

2010-07-01T16:57:00.007-03:00

Caraca bixo óia esse blog na correria. Quem diria que eu subestimei esse povo.

Salve salve e do jazz e do baião trago de novo roquenrou. com "Q", "U" e "E" mesmo. Gal Costa é ROQUENROU.

Quem frequenta o blog sabe de quem eu to falando por que eu já disse quem é essa mulher. Uma gigante brasileira. A melhor cantora da história da música brasileira. Disse Elis Regina: "As únicas cantoras do brasil somos nós duas". E a pobre Elis (por quem sou declaradamente apaixonado) que me perdoe.

Bom. Esse disco é uma grande soma de gravações ao vivo. Mesclando Janis Joplin e Caetano Veloso, baiana como dá, Gal Costa gravou algo único.

Perfeito. É roquenrou de primeira. as primeiras cinco faixas deveriam ser o suficiente. A música "Dê um Rolê", composta por Luiz Galvão e Moraes Moreira, dos Novos Baianos, é aqui aprimorada, energizada, estupefadicamente explodida e transformada num roquenrou cheio de feelling. "Pérola Negra" de Luiz Melodia é outro clássico reinventado. "Mal Secreto" é uma das minhas músicas favoritas desse disco, composta pelo gênio negado da tropicália Jards Macalé e Waly Salomão. Linda é "Como Dois e Dois" e por aí vai. Fica ainda faltando dizer das grandes canções "Coração Vagabundo" de Caetano Veloso, "Falsa Baiana" de Geraldo Pereira, a folclórica "Antonico" de Ismael Silva e a música que parece idealizada para Gal Costa, feita para ela, encaixe perfeito "Vapor Barato" também de Jards Macalé e Waly Salomão.

Talvez o maior disco da carreira da Gal. Talvez o escambau.

Para uma baiana de verdade, que incomoda, pra bater palma, abrir a roda e dizer "ôba salve a Bahia!"

Fica aí, no saqueando a obra prima da maior cantora do Brasil. Prometido e cumprido Gal Costa A Todo Vapor.

Faixas

"Dê um Rolê" (Luiz Galvão, Moraes Moreira) 4:06
"Pérola Negra" (Luiz Melodia) 4:44
"Mal Secreto" (Jards Macalé, Waly Salomão) 5:02
"Como 2 e 2" (Caetano Veloso) 4:33
"Hotel das Estrelas" (Duda Machado, Jards Macalé) 4:30
"Assum Preto" (Luiz Gonzaga, Humberto Teixeira) 3:50
"Bota a Mão nas Cadeiras" (tradicional do folclore baiano) 1:09
"Maria Bethânia" (Caetano Veloso) 0:45
"Chuva, Suor e Cerveja" (Caetano Veloso) 2:00
"Luz do Sol" (Carlos Pinto, Waly Salomão) 5:22
"Fruta Gogóia" (tradicional do folclore baiano) 0:41
"Charles Anjo 45" (Jorge Ben) 0:27
"Como 2 e 2" (Caetano Veloso) 2:46
"Coração Vagabundo" (Caetano Veloso) 3:45
"Falsa Baiana" (Geraldo Pereira) 5:35
"Antonico" (Ismael Silva) 4:47
"Sua Estupidez" (Erasmo Carlos, Roberto Carlos) 4:03
"Fruta Gogóia" (tradicional do folclore baiano) 1:07
"Vapor Barato" (Jards Macalé, Waly Salomão) 8:38

Link nos Comments

O Bando - O Bando (1969)

2010-07-01T11:46:00.003-03:00

Apesar de sua participação no IV Festival Internacional da Canção Popular com a música "Longe do Tempo" ter passado batida para muitos, O Bando é um dos grupos brasileiros de rock mais interessantes da década de 60. Tendo nascido a partir do conjunto jovem-guardista Os Malucos, que em 1965 fazia sucesso tocando em bailes e boates paulistanos, a banda abraçou o movimento da Tropicália quando este explodiu. O resultado dessa transformação é um som que une os traços do rock de garagem sessentista à MPB.
Veio, então, este álbum homônimo que trago aqui (primeiro e último da carreira dos caras, diga-se de passagem). Nele, O Bando interpreta, com um indispensável órgão elétrico dando um tom psicodélico e acompanhado de uma banda de metais, uma série de músicas que fizeram sucesso nos festivais da canção, como "Disparada", de Geraldo Vandré e "Alegria, Alegria", do Caetano. O disco traz também canções originais bem bacanas, como "Sala de Espera" e "Pela Rua da Praia", além da instrumental "...E Assim Falava Mefistófeles".
Enfim, trata-se de um álbum interessante, que traz um misto singular de tropicalismo com rock de garagem. Não é imperdível, mas vale a pena ouvir.

Faixas:

1- ...E Assim Falava Mefistófeles

2- Fossa Boboca
3- Que Maravilha
4- Disparada
5- Vou Buscar você
6- Sala de Espera
7- Alegria, Alegria
8- Quem Sabe
9- Pela Rua da Praia
10- Esmagando Sua Sorte
11- Longe do Tempo

Link para download nos comentários.

Sam Rivers - Crystals (1974)

2010-07-01T00:20:00.003-03:00

Sam Rivers foi um daqueles instrumentistas que, além de tocar e criar músicas, criou músicos que se afamosaram pelo mundo.
Nasceu, no começo da década de vinte, em Oklahoma, onde seu pai era cantor era cantor gospel. Foi criado na música. Com vinte e poucos anos, foi estudar no conservatório de Boston, onde muito aprendeu quanto à teoria musical e orquestração, que muito utilizou tempos depois. Pouco depois, mudou-se para a Florida, onde começou a estabelecer um legado. Anos se passaram e ele novamente (e finalmente) armou a barraca em outro campo: Nova Iorque. Quanta estrada!
Em 1964, quando Sam estava com quarenta anos, começou a gravar seus primeiros discos com a estampa da famosa Blue Note Records. Foram quatro lançamentos no total, e, nesse momento, Rivers adentrou o mundo do Jazz. Seu estilo foi encaixado num free jazz pendente a um bebop. Ele utilizava muito do recurso do “inside-outside”, que é quando o músico caminha entre a harmonia e a não-harmonia, ou seja, entre as notas certas e as notas que soam mal de acordo com a base da música. E conseguia fazer isso mantendo uma linearidade musical, com começo-meio-fim, o que é muito difícil quando se trata de gêneros livres.
Nesse período em que passou na Blue Note, Rivers aparceirou-se de grandes nomes do jazz internacional, como Miles Davis e Freddie Hubbard.
Parou de gravar com a Blue Note nos anos 70, que foi sua época áurea. Liderava sessões de free jazz no Studio RivBea, donde saíram diversas preciosidades. “Crystals”, seu primeiro álbum com a Impulse! Records, era uma preciosidade, mesmo não tendo sido fruto dessas sessões. Nesse disco, Sam e sua banda caminham sobre o free jazz e o jazz padrão. Por isso, esse álbum expressa muito bem a idéia do recurso “inside-outside”. Sugiro como musica exemplo para o álbum todo à faixa “Exultation”. O disco contou com a participação de quase 80 músicos, sendo predominantemente naipes de metais e madeiras.
O álbum inteiro trata de contradições. Seja no dentro-fora do recurso de Sam, ou em faixas como “Postlude”, onde é posta a melancolia de um solo seguida da euforia da anarquia de oitenta juntos. Mas sempre com transição.
Não é certo pensar em ascensão nem descendência musical, e sim como carregar uma música pode engrandecer um plano musical e decrescer outro. É interessante dizer que, as vezes, a voz de muito pode demonstrar o mesmo que a voz de um, mesmo que esse não seja necessariamente o propósito do free jazz como movimento musical. A capa de “Crystals” expressa muito vem essa idéia de como um coletivo, retalhado, pode ser um ser único ou múltiplos seres e vozes.
Voltando ao concreto, Sam divagou pelos anos setenta, onde deixou seu nome. De suas sessões no Studio RivBea, saíram grandes músicos, como Dave Holland ou Steve Coleman.
Sam é vivo, e ainda propaga seu som por ai. Tocou com uma orquestra montada por ele próprio, e chegou até a ganhar uma consideração de Grammy pela sua orquestração.
Ulalá!

faixas:

1. Exultation
2. Tranquility
3. Postlude
4. Bursts
5. Orb
6. Earth Song

linqueus nus comentárius.

Volta Sêca - Cantigas de Lampeão (1957)

2010-06-30T14:11:00.003-03:00

Nascido no Sergipe em 1918, Antônio dos Santos abandonou a família ainda cedo, juntando-se, com apenas 11 anos, ao bando de Lampião. Enquanto cangaceiro, ficou conhecido pelo apelido de Volta Seca e tornou-se uma das figuras mais importantes do grupo. Preso pela primeira vez em 1932, fugiu e voltou à cadeia duas vezes, até ganhar sua liberdade em 1954, em função do "perdão" que lhe foi concedido pelo presidente Getúlio Vargas.
Marcado pela sociedade, o retorno às ruas foi um desafio para Volta Seca, que casou-se e foi morar no Nordeste. Entretanto, após um convite do cineasta Lima Barreto para criticar o filme "O Cangaceiro" em São Paulo, Antônio dos Santos mudou-se para o Sudeste, onde conseguiu emprego em uma ferrovia. Tendo ganhado maior destaque na mídia após esse evento, o ex-cangaceiro conseguiu gravar, pela Continental, o presente álbum.
Com instrumentação do maestro Guio de Moraes, o disco conta com oito canções populares do bando de Lampião, todas assinadas por Volta Seca. Em ritmo de baião e acompanhado por zabumba, triângulo, sanfona e vocais de fundo, Antônio dos Santos solta sua voz trêmula e doída em cada uma das músicas. Algumas delas são bem conhecidas, como "Acorda Maria Bonita", sempre usada para despertar o bando, e "Mulher Rendeira", que aqui aparece com os mesmos versos cantados na ocasião em que os cangaceiros invadiram a cidade de Mossoró. Outras, menos, como as líricas "A Laranjeira" e "Se Eu Soubesse".
Entre uma faixa e outra, há ainda curtos trechos de narração de Paulo Roberto, o então apresentador da Rádio Nacional. Neles, o radialista dá as devidas introduções às canções, explicando-as com um tom romanceado característicos dos anos 50.
Enfim, sem mais delongas, o que temos aqui não é um disco qualquer! É nada mais nada menos que uma legítima preciosidade da cultura e história do Nordeste brasileiro e, por que não?, uma genuina expressão da arte humana mundial. Viva o cangaço!

Faixas:
1- Acorda Maria Bonita
2- A Laranjeira
3- Ia Pra Missa
4- Mulher Rendeira
5- Se Eu Soubesse
6- Sabino e Lampeão
7- Escuta Donzela
8- Eu Não Pensei Tão Criança

Linque para o dáunloude nos comentário, ô cabra da peste.

Wayne Shorter - Schizophrenia (1967)

2010-06-29T23:02:00.002-03:00

Enquanto o Estados Unidos colhia os frutos de sua grande depressão, nascia Wayne Shorter. Quando moço, o pai de Wayne, percebendo o interresse e o dom do garoto para música, encorajou-o a praticar o saxofone. Anos de música se passaram, e Wayne teve seu primeiro grande período em 1958, na orquestra de Maynard Ferguson, onde conheceu o austríaco Joe Zawinul, que foi compositor e um dos criadores do jazz fusion, com quem juntou-se anos depois no grupo Weather Report. No ano de 1959, Shorter juntou-se aos Art Blakey’s Jazz Messengers, tornando-se, em pouco tempo, “líder” do grupo.
Em 1964, começou seu momento de maior fama, mesmo ele já tendo lançado dois álbuns solo. Nesse ano, o sax de Wayne juntou-se com o trompete de Miles Davis e com o piano de Herbie Hancock para formar um dos quintetos mais célebres da história do Jazz.
Nessa época, Wayne já compunha a beça, e, no ilustre ano de 1967, lançou o disco “Schizophrenia”. O disco conta com seis faixas, sendo cinco delas de composição do saxofonista e uma delas, “Kryptonite”, uma música do flautista James Spaulding, que fazia parte do grupo criador desse álbum. Os músicos desse disco são todos figurões, basta ver o baixo e o piano, de Ron Carter e Herbie Hancock. É inovação do começo ao fim, se formos conceituar, esse é um álbum-exemplo de construção, seja a obra como um todo ou cada composição por si só. Um exemplo dessa construção é a primeira faixa do disco: “Tom Thumb”, e também a segunda faixa: “Go”.
Diferente de outras gravações de Jazz, esse disco conta com faixas razoavelmente longas, de seis minutos em média. Em todas as faixas há solos, e estes dispostos sempre pertinentemente com a proposição da faixa.
Um grande valor de Shorter é a capacidade de criar, com um som limpo, uma atmosfera obscura e nebulosa e quiçá, sedutora. A faixa “Schizophrenia” ilustra muito bem essa qualidade, e não é a toa que ela da nome ao disco, é suprema. Arrisco dizer que ela retrata a melancolia e a euforia que é se sentir esquizofrênico, cindido.
Anos depois desse disco, Wayne lançou mais de dez outros álbuns solo, e participou do renomado grupo Weather Report, do qual se desvencilhou em 1985. No período do Weather Report, gravou junto com Milton Nascimento, inclusive.
Toca até hoje, mesmo com setenta e tantos anos.
Viva Wayne Shorter!

Faixas:

1.Tom Thumb
2.Go
3.Schizophrenia
4.Kryptonite
5.Miyako
6.Playground

linke tá nos palpites

Count Basie - Basie's in the Bag (1967)

2010-06-29T14:09:00.003-03:00

No início do século passado nasceu um dos figurões do cenário do jazz: Count Basie. Seu nome era, na verdade, William, mas foi lhe dado o apelido de "Count" (em inglês, conde), devido a sua importância um determinado momento da música, a dita Era do Swing, onde canções acompanhadas de descontraídas big bands floreciam no continente norte americano.
Count nasceu em Jersey, e nem chegou a completar seu colégio, pois largou esse para viver na música. Com 20 anos de idade, mudou-se para Nova Iorque, onde aprendeu durante 3 anos com grandes pianistas do Harlem, tal qual Fats Waller ou Willie "the Lion" Smith. Terminados esses anos, decidiu mudar-se novamente, tentando afastar-se das fortes influências para, então, criar seu próprio estilo e sua voz. Moveu-se, então, para Kansas City, onde fez parte do grupo "Blue Devils", que era liderado pelo baixista Walter Page.
Anos se passaram. Certo verão, Count, em uma de suas apresentações, chamou a atenção de um renomado crítico musical da época, John Hammond. Para ele, o som de Basie era "mais exitante que qualquer outro na história de orquestras americanas".
Mais anos se passaram. A popularidade de Count Basie crescia assim como os Estados Unidos pós-crise. Nos anos 30, o clarinetista Benny Goodmann deu início a o período áureo de Basie: A Era do Swing (de onde, como já foi dito, saiu até sua condecoração como conde).
A Era do Swing passou, o cenário musical mudou, mas Count Basie continuava com popularidade e fama histórica. Em meio a esses anos após seu periodo áureo, lançou "Basie's in the bag".
Neste, Count escolheu um repertório com uma pitada de um pouco de tudo que ouviara até então e se mostrou um exímio arranjador para naipes de metais. Neste álbum ele executou de Booker T. ("Green Onions") até Four Tops ("Reach out I'll Be there"). São raras as vezes em que um ritmos dispensa uma melodia, e é o caso partes de certas faixas desse álbum, como "Memphis Tennesse" ou até mesmo "Green Onions". O contrário também ocorreu nesse disco, pois a melodia criou o ritmos em faixas como "Mercy, Mercy, Mercy", onde Count praticamente traduziu a exitação de sua Big Band em seu arranjo. E sem deixar de lado seu lado solista.
Esse é um disco é duca. Sugiro-o para os bons corações e ouvidos.
E que capa, hem?

Faixas:
Lado A:

Mercy, Mercy, Mercy
Hang On Sloopy
Don't Let The Sun Catch You Crying
Ain't Too Proud To Beg
Goin' Out Of My Head
In The Heat Of The Night

Lado B:

Green Onions

Knock On Wood

Let The Good Times Roll

Bright Lights, Big City

Reach Out I'll Be There

Memphis Tennessee

Linque nos cumentáreos.

Lou Reed - Claim to Fame (1976)

2010-06-28T21:12:00.008-03:00

Saravá! meus caros blogueiros, visitantes e companheiros de blog! Me pediram para mandar umas coisas mais underground assim.. aí eu pensei, "pô, um bootleg do loureed vai nessa aí. Quiçá".

Esse disco um amigo meu me emprestou. Tá escrito, numa pedaço de folha pautada (monobloco ou folhão), na capa do respectivo disco algo mais ou menos assim (em inglês): "uma sonzeira incrível, groovie jazz do lou reed in the 70's. Uma grande viagem sonora. Diamante nos seus ouvidos". Na contra capa do disco está escrito algo assim:"This is a genuine DIAMOND IN YOUR EAR release for a selected number of fans. There are only 500 copies in the world. Your copy no." E carimbado está o número da sua cópia. E é isso aí.

Bom. O Lou Reed é mais conhecido como o guitarrista, vocalista e compositor do Velvet Underground e pelo sucesso obtido em carreira solo, principalmente com o hit "Walk on The Wild Side". Nasceu no Brooklin (Nova Iorque) e cresceu em Freeport se interessando por rock'n'roll e R&B, aprendeu a tocar guitarra pelo rádio e por aí vai. Formou o Velvet Underground em 1965 com John Cale, lançou o famoso disco Velvet Underground & Nico, produzido por Andy Warhol (da capa da banana), gravou o VU, que só viria a ser lançado em 1985) e abandonou o projeto em 1970. Começa então sua carreira solo e lança em 1972 dois incríveis discos Lou Reed e Transformer. Em 1976 Lou Reed faz um incrível show de jazz, funk e muito Rock'n'Roll, é essa pérola que eu deixo para vocês hoje aqui no Saqueando.

Gravado por Lou Reed na guitarra e vocal, Marty Fogel no saxofone, Michael Fonfara, teclado, Michael Sikorsky na bateria e Bruce Yaw no baixo esse CD transborda uma musicalidade completamente diferenciada. A primeira faixa é um jazz funkeadíssimo, muito pirada, é uma grande session da banda. Felizmente Lou Reed não esqueceu-se do que foi produzido durante a época do Velvet e continua tocando grandes clássicos da banda que aqui são relidos e revistos como nunca. Ele toca "Sweet Jane" do disco Loaded (1970) brilhantemente, diga-se de passagem, "Waiting For The Man" do Velvet Underground & Nico e "She's My Best Friend" e "Lisa Says" do VU.

Da carreira solo temos várias músicas do Rock and Roll Heart (1976), do qual sairam "I Believe in Love", "Sheltered Life", "Claim to Fame" e "You Wear it So Well". Por fim, do Coney Island Baby (1976) saiu "Kicks". Ficou faltando falar apenas do grande hit de Lou Reed durante a carreira solo que não ficou de fora desse disco. Do Transformer (1972) saiu "Walk on The Wild Side" transformada aqui numa espécie de êxtase de dez minutos.

Faixas

"Jam" 7:07
"Sweet Jane" 4:32
"I Believe In Love"
"Lisa Says" 7:08
"Kicks" 11:59
"She's My Best Friend"
"Waiting For The Man" 12:31
"Sheltered Life" 6:34
"You Wear it So Well" 4:51
"Claim To Fame" 2:52
"Walk on The Wild Side 10:33

Diamante nas orelhas, nos comments

Garage Beat '66 (Vol. 5 - Readin' Your Will!)

2010-06-26T16:44:00.004-03:00

Salve Salve meus caros e minhas caras!

E eu não faço a menor idéia do que eu tenho aqui! Mentira, até que faço alguma, mas ainda assim. O ano era 66 e a idéia era o hippie e o flower power e a psicodelia certo? Quase tudo, fica alguma psicodelia e vão embora todos os outros fatores. Bandas de Garagem americanas que praticamente não deram certo. Esse disco vem de uma coletânea na qual os discos eram de artistas semelhantes aos Stones e aos Yardbirds, mas aqui o que há é uma idéia mais à la 13th Floor Elevators.

Um disco que irá soar familiar apenas para aqueles que já tenham escutado as músicas, entre as quais figuram clássicos cults como 'Zakary Thaks' e 'Unrelated Segments', mas muitas coisas desconhecidas aparecem como The Lemon Drops, obviamente semelhantes ao Lou Reed de Velvet Underground e Nico ou "Thoughts" do Front Page News, que apesar de semelhança inegável aos Yardbirds ousam com guitarras mais distorcidas, órgão e nada de cover dos bluesmans. Fica a dica para "Thirteen O'Clock Fiight To Psychedelphia" da banda Plato and The Philosophers, com vocal e guitarras semelhantes ao genial som do Jefferson Airplane.

The Human Expression é uma das bandas de mais destaque do disco, com um cd gravado e vários singles, a outra é Zakary Thaks que apoiou turnês do Jefferson Airplane e do Elevators.

Como dito previamente eu não tenho muito o que dizer além disso, já que não conheço as bandas para dizer o que eu tenho nas mãos.

Faixas

"Story Of My Life" (Unrelated Segments) 2:40
"I Can See" (The Liberty Bell) 3:06
"It Hapens Everyday" (The Lemon Drops) 2:17
"Bad Day Blues" (Headstones) 2:53
"Don't Hurt Me" (Beefeaters) 2:52
"I'm Going Ahead" (Thingies) 2:16
"A Taste of The Same" (The Bad Seeds)
"Thoughts" (Front Page News) 3:08
"Readin' Your Will" (The Human Expression) 2:37
"Face To Face" (The Zakary Thaks) 2:59
"Make Me Some Love" (The Knights Bridge) 3:04
"Open Up Your Mind" (The Nuchez) 3:07
"Never Existed' (The Basement Wall) 2:00
"Optical Sound" (The Human Expression) 2:37
"Thirteen O'Clock Flight To Psychedelphia" (Plato & The Philosophers) 3:02
"Flashback" (Silk Winged Alliance) 3:06
"No More" (Morning Dew) 2:47
"Little Girl" (Arkay IV) 2:49
"Little Latin Lupe Lu" (The Heartbeats) 2:10
Action! (Speaks Louder Than Words)

Tem um Link la nos comments

Led Zeppelin - Led Zeppelin I (1969)

2010-06-21T16:43:00.008-03:00

Boa tarde meus caros, eu tô de férias e to pirando aqui.

-=Caso não conheça a banda (o que me assusta pacas) comece a ler aqui.=-

Em 1968 um grande grupo inglês por onde passaram grandes guitarristas se desfez. Esses três guitarristas eram Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page. Esse último sujeito acabou com a responsa de levar essa banda inexistente, Os Yardbirds, até a Escandinávia e tocar uma turnê pré arranjada. Então o senhor Page dispara a formar a banda dos sonhos que sempre sonhou que seria Steve Winwood ou Steve Mariott nos vocais, a cozinha do The Who, Keith Moon na bateria e John Entwistle no baixo, dois que foram colocados entre os melhores de seus instrumentos e consigo mesmo e Jeff Beck nas guitarras. É óbvio que ninguém topou.

Então o abacaxi teve de ser corrigido aos poucos. Ao procurar Terry Reid para ser o vocalista este recomendou Robert Plant do Band of Joy, Plant arrastou o amigo John Bonham e por sugestão da esposa, John Paul Jones ligou para Page e perguntou sobre a vaga, este fechou a banda no instante. Com esse grupo formado temos o The New Yardbirds que iriam tocar na escandinávia.

Ao retornar da turnê eles fixam o nome Led Zeppelin em função da lendária e já conhecida expressão de Keith Moon sobre a super banda, que essa seria como um zepelim de chumbo, Lead Zeppelin Por sugestão do empresário Peter Grant eles tiram o "a" de Lead para não gerar confusões com os americanos e seu "Leed".

O Led Zeppelin ficaria famosíssimo com o tempo, conhecidos como os inventores do Hard Rock e, infelizmente, do Metal. Conhecidos pelo rock&roll muito misturado ao blues a banda inglesa é uma das mais influentes da década de 70.

E provavelmente tudo isso que eu disse foi à toa, pois a banda fez sua própria fama.

-=Caso conheça a banda, comece a ler por aqui.=-

Mas além de festas e bebedeiras da década de 70 eu quero lembrar do comecinho, em 1969, depois da consagração de Woodstock e do Monterey Pop Festival, uma banda inglesa lança um primeiro disco bastante embebido em blues e com inovações puxadas de estilos músicais mais variados.

O Led Zeppelin I foi o primeiro disco da banda e traz algumas músicas da primeira turnê pela escandinávia como "I Can't Quit You" e "You Shook Me" de Willie Dixon, composições dos próprios músicos da banda como os incríveis rock&rolls que são "Good Times Bad Times" de qual a conhecidíssima batida de guitarra, baixo e bateria fazem o sangue pulsar mais rápido, o groove dos pequenos fraseados de John Paul Jones no baixo e o incrível solo de Jimi Page e "Communication Breakdown" que exprime exatamente o que seria a banda, a guitarra pesada em distorção, o baixo sempre preciso e por vezes inquietante de John Paul Jones as monstruosas performances de John Bonham na bateria, o rasgado e influente vocal de Robert Plant e os rápidos e "pentatônicos" solos de Jimi Page. A música que mais marcou a banda nesse disco foi, com certeza, a composição de Page, "Dazed and Confused" famosa pela "macabra" linha de baixo e pelo famoso solo de guitarra usando um arco de violino feito em shows.

É um disco bastante único, com blues como "You Shook Me" ou "Your Time is Gonna Come" (que por sinal pulsa ao som do órgão do baixista, multinstrumentista na real, John Paul Jones).

Não é uma peça rara, nem essencial na real.. bom, talvez seja essencial para a história da música, mas nada como Os Beatles foram. Só que todo mundo já teve aquela fase na qual se ama o Zeppelin, to certo?

Fica aí, de brinde para quem se interessar.

Faixas:

"Good Times Bad Times" 2:46
"Babe I'm Gonna Leave You" 6:41
"You Shook Me" (Willie Dixon) 6:28
"Dazed and Confused" 6:26
"Your Time is Gonna Come"4:35
"Black Moutain Side" 2:13
"Communication Breakdown" 2:30
"I Can't Quit You Baby" (Willie Dixon) 4:43
"How Many More Times 8:28

tá lá nos comments, com sempre

Os Mutantes - Jardim Elétrico (1971)

2010-06-17T20:35:00.005-03:00

Direto de Johannesburgo trago-lhes um novo disco ao Saqueando!

Pediram! então, com atraso de alguns meses, talvez, lhes trago outra pérola dessa grandíssima banda brasileira. Lhes trago, direto de 1971 o espetacular Jardim Elétrico dos Mutantes.

Um disco singular, como todos os outros álbuns da banda que merece mais elogios que eu posso oferecer. O Jardim Elétrico foi lançado em 1971, é o quarto álbum dos Mutantes, sem contar o Tecnicolor que, apesar de ter sido gravado antes, em Paris, no Mesmo ano foi lançado apenas em 1999 ou 2000, se não me engano. É nessa época que a banda corria por viagens psicodélicas e fez um som brilhante, bastante inspirado na música americana e inglesa. Quatro das músicas que aqui estão foram originalmente gravadas no estúdio La Dame de Paris para serem lançadas no Tecnicolor. Todas as músicas foram gravadas por Rita Lee nos vocais, Sérgio Dias na guitarra, Arnaldo Baptista no teclado, Dinho Leme na bateria e Liminha no baixo, tem ainda a participação do grande Rogério Duprat que fez os arranjos orquestrais.

O disco começa com "Top Top", um roquenrou famoso, os conhecidos vocais agudos no início e os versos cantados mais agudos ainda parecem o sarcasmo da banda, uma guitarra muito funkeada de Sérgio Dias e um solo sensacional. Aula de música com os Mutantes. Continua com "Benvinda" que podia ser mais uma música meio melosa do Tim Maia tal como é dito no verso do disco: "Qualquer semelhança com Tim Maia não é mera coincidência", mas sobra musicalidade verde e amarela com os backingvocals e arranjo de metais. "Tecnicolor" mostra a psicodelia brasileira no que pode ser seu auge. É uma das músicas que seriam lançadas no disco gringo, toda cantadada em inglês, um baixo lindo e guitarra brilhante, bateria de samba e muito sabor para algo que nao devia ser meramente escutado. "El Justiceiro" uma música puramente latina, cantada em espanhol e inglês é a letra sarcástica sobre o herói que cobra dinheiro. "It's Very Nice Pra Xuxu" começa com um timbre de órgão de igreja é outra peça singular da banda com vocais que começam lamentando e mudam para a voz rasgada de Arnaldo esganiça as palavras precisamente. "Portugal de Navio" tem um baixo e voais pesados e reconhecíveis até por quem é surdo a tons. Mas o que começa como uma história de jazz, blues pesado vira um roquenrou brazuca de vocais agudos e transformam uma sobriedade grave em psicodelia aguda, É também uma das poucas músicas que Os Mutantes incluem um solo de gaita, termina com o piano de Arnaldo solando perfeitamente, talvez seja a música de menos sonaridade brasileira do grupo. "Virgínia"é outra música pouco brasileira, mas curiosamente agradável a quem a escuta. A faixa título a seguir é um compulsivo roquenrou com órgão pesado e guitarra incansável de Sérgio Dias, brilhante, psicodélica, brazuca invocada. "Lady Lady" é quase Beatles, a canção traz muita sonoridade de Liverpool, se não fosse a flauta e o solo, a sutil flauta logo no começo e a mudança de ritmo para algo acelerado e novamente impetuoso não assustaria ser gringa e estar no Revolver, Saravá. "Saravá" é mais roquenrou incansável e pesado em cima de uma típica expressão brasileira, cheia de distorção a música se contrasta com o final. "Baby" do Caetano Veloso cantada em inglês é outra pérolinha que os mutantes dão para a gente relaxar ao final de muita intensidade sonora.

Bem, é essa a minha forma de lhes dizer o que é esse disco, estou meio cansado agora e não tenho a mesma disposição que eu tive para outros álbuns, só que o que eu trago é uma pérola da música brasileira que é impossível de não ter no seu computador.

Grande abraço, e logo mais Gal - Fa-Tal

Faixas

"Top Top" (Os Mutantes) 2:27
"Benvinda" (Os Mutantes) 2:48
"Tecnicolor" (Os Mutantes) 3:57
"El Justiciero" (Os Mutantes) 3:55
"It's Very Nice Pra Xuxu" (Os Mutantes) 4:49
Portugal de Navio" (Os Mutantes) 2:43
"Virginia" (Os Mutantes) 3:27
"Jardim Elétrico" (Os Mutantes) 3:14
"Lady Lady" (Os Mutantes) 3:33
"Saravá" (Os Mutantes) 4:25
"Baby" (Caetano Veloso) 3:40

Link nos Coments*~

Marva Wright - Born With The Blues (1993)

2010-06-11T20:57:00.003-03:00

Nascida na Louisiana em 1948 "Marvalous" Marva Wright é uma cantora de blues pouco convencional. Começou, como outros cantores de blues, cantando em igrejas e seu único acompanhamento era o piano da mãe. Sua grande influência foi a estimada cantora de gospel Mahalla Jackson. "Marvalous" Marva Wright faleceu este ano, aos 62 anos de idade, como consequência de dois infartos sofridos no final do ano passado.

Curiosamente Marva demorou a começar sua vida profissional como cantora. Apenas em 1987 ela começou a cantar, mas apenas para sustentar a família com um segundo emprego. E foi em 1989 que foi feita a primeira gravação numa performance ao vivo na mítica cidade do jazz, Nova Orleans. Em 1991 estorou com uma performance durante o Super Bowl e no mesmo ano lançou seu primeiro disco intitulado Heartbreakin' Woman. Em 1993 lançou a segunda peça chamada Born With The Blues e é esse disco que vai quentinho, direto do forno para o Saqueando.

Um disco de blues sensacional para ninguém por direito, com claras influências de Koko Taylor e muita pegada Gospel no som de Marva Wright, a Rainha do Blues, como era conhecida. "The Glitter Queen" parece uma introdução da Marva sobre si mesma, depois de fazer sucesso ela pareceu se ver como uma grande cantora que, infelizmente, demorou a cantar para o mundo. "What's Wrong", música com uma pegada Buddy Guy de ser é um pesado blues com muuuito feeling. "Before I Met You" tem um piano e órgão muito bem tocados. A faixa a seguir, homônima ao disco, é "Born With The Blues" com um vocal emocionante e uma guitarra de acompanhamento suave e gentil, para não roubar o brilho da cantora. Mais adiante temos "Pray" que é uma exuberante mostra de influências do Gospel assim como "It's So Nice". Seguindo a lógica das influências também regrava "Hound Dog" de Jerry Leiber e Mike Stoller gravada originalmente por Willie Mae "Big Mama" Thorton.

Enfim. Eu sou meio suspeito para falar de Blues. Mas ainda assim, esse é um cdzaço de primeira que você não acha por essas bandas em que vivemos, ou seja, do lado de cá do Equador e do Atl.ântico. Curta aí uma sonzeira louca e brilhante. Se tiver na gringa e me conhecer, traz um outro cdzinho dela pra mim, vá?

Faixas

"The Glitter Queen" 4:11
"What's Wrong" 3:53
"Three Times" 3:35
"Before I Met You" 5:15
"Born With The Blues" 5:24
"It's Gonna Be Alright" 5:32
"Been & Gone" 3:05
"Pray" 5:02
"Hound Dog" 5:33
"It's So Nice"5:46
"He's On The Way" 3:13
"Do Right Woman - Do Right Man" 5:38
"Can't Nobody Love You" 2:42

Tá lá, como sempre, nos comments

Django Reinhardt - The Best of Django Reinhardt [Capitol/Blue Note] (1996)

2010-06-08T17:53:00.009-03:00

Alou meus caros.

Um gênio talvez seja pouca expressão para exaltar as capacidades deste violonista e guitarrista esplendoroso que foi Django Reinhardt. Lhes digo foi pois esta é a vida do nosso novo post aqui no Saqueando. E por que me corrigiram recentemente do facebook, completo meu post dizendo, um "cigano de nata" e que, por ele, jazz deveria ser escrito com um 'D' na frente

Como diz a wikipédia, nasceu dia 23 de janeiro de 1910 em Liberchies na Bélgica, foi um cigano guitarrista de jazz. Foi um dos mais brilhantes e influentes músicos do jazz europeu e mundial e é provavelmente o principal nome do instrumento no gênero. Muitas de suas canções tornaram-se clássicos do jazz, e veja bem, não é difícil acreditar. Junto a Stephane Grappelli formou, em 1934, o conjunto Quintette du Hot Club de France.

Agora uma sacada sobre o cara. em 1928 (18 anos de idade) um incêndio queimou sua casa e junto com ela metade do seu corpo com queimaduras de primeiro grau. Médicos afirmaram que ele nunca mais poderia tocar violão, mas quem diria que esse belga conseguiria tocar com apenas dois dedos na sua mão esquerda (era destro).

Depois da segunda guerra mundial foi aos EUA excursionar e tocou junto a grandes músicos do jazz americano como Duke Ellington, com quem fez a sua primeira turnê na terra dos ianques, primeira e última, por alguns quiprocós ele logo volta à Europa e passa os restos de seus dias tocando em pequenos clubes de Paris.

Influenciou dezenas de guitarristas ao redor do mundo, entre eles estão com certeza os maiores gênios como B.B. King, Chet Atkins, Hendrix (este teria nomeado a Band of Gypsies em função de Django) e outros.

Falando de música agora, Django Reinhardt é conhecido por algumas gandes músicas que se tornaram famosíssimas ao redor do mundo, como "Djangology" que infelizmente não consta nesse cd, "Minor Swing" que é, na minha opinião, um dos jazzes mais bem feitos da história da música, animado, com groove até, e muito blue, com um solo de violão incomparável que certamente confirmam a fama de gênio que o violonista conseguiu com o tempo. "Nuages" é algo mais cheio de sons, graças ao acréscimo do clarinete.

Enfim, eu não vou me perder mas é ridículo de bom e você deveria ter esse cd, sérião. Mas enfim, é quase domínio público, mas quem sabe..

A melhor música, no conjunto de tudo o que eu já postei aqui é, na certa, "Minor Swing" o disco vale por ela.

Faixas:

"Limehouse Blues" 2:46
"When Day Is Gone" 3:12
"St. Louis Blues" 2:43
"Minor Swing" 3:17
"My Serenade" 3:03
"You Rascal You" 3:08
"Montmartre" 2:26
"I'll See You in My Dreams" 2:33
"Naguine" 2:30
"Nuages" 3:19
"Blues Clair" 3:05
"Django's Tiger" 2:39
"Ol' Man River" 2:42
"Diminushing" 3:17
"Oh, Lady Be Good" 3:00
"To Each His Own Symphony" 3:03
"Place de Brouckère" 2:57
"Manoir de Mes (Django's Castle)" 3:17

E como sempre tá lá, nos palpites